EL ARTE Y LAS ARTES

El contraste del color en si mismo da la solución para numerosos temas de pintura. Expresa la vida bulliciosa, el brote de una fuerza luminosa. Los colores puros primarios y secundarios siempre expresan una irradiación cósmica primitiva y, al mismo tiempo, una realidad solemne y material. Por eso se emplean para un coronamiento de cielo como para una naturaleza muerta realista. Especialmente el pigmento azul existe en el mundo desde el 2.200 a. C, incluso es el primer color artificial de la historia.

Pero existe un azul creado en 1960 del siglo pasado, el International Klein Blue (IKB; en español también es común la denominación Azul Klein) es una tonalidad profunda de color azul concebida y registrada por el artista francés Yves Klein. El impacto visual del azul Klein se debe a su fuerte relación con el azul ultramar, así como a los espesores y texturas de esta pintura que Klein solía aplicar sobre sus lienzos. La particularidad de este pigmento está en el tono azul puro y muy intenso, sin ningún indicio de verde, morado o gris. De hecho, su devoción cromática era tan profunda que en 1960 patentó ese color como su invención. Así el artista dijo una vez: "Al principio no hay nada, luego hay un profundo vacío y después de eso una profundidad azul". Con este contexto nos aproximaremos a la vida y obra de este gran artista.

La imagen en el cine, así como en otros soportes comunicacionales, aparece como un conjunto de significaciones que pueden ser manipuladas de acuerdo a los preceptos del director o realizador de la obra cinematográfica. Sin embargo, el realizador no actúa solo en esta creación, necesita de un espectador que comparta los mismos códigos socioculturales y que sea capaz de generar conjeturas propias de lo que se expone.

Artista, obra y espectador son parte de un acto creativo, que introduce el sentido básico de la observación generando un trabajo intelectual que lo hace entrar en la compleja problemática que otorga la imagen.

Estos tres elementos se hacen presentes en diferentes momentos de este acto. El artista juega con aquellos conocimientos que son comunes a todos y que sustentan el diálogo y la comunicación entre él y el espectador, sin dejar de conducir el sentido de nuestra observación planteándonos nuevos razonamientos. A su vez, la obra, presentada como narración, es el punto de encuentro entre realizador y espectador. Este último es quien finalmente se convierte en un receptor que transmite, desde su mirada crítica, un sentido de realidad que se expresa en la creación de mundos imaginarios. En este contexto desarrollaremos algunas ideas sobre el papel del ESPECTADOR EN LA OBRA DE ARTE.

Cientos de años después de su construcción, las catedrales e iglesias medievales siguen con una fascinación incomparable. Auténticos «rascacielos» de la Edad Media, toda su planificación y ejecución se basa en conocimientos de carácter esotérico, simbólico y sagrado que las logias de constructores heredadas de la antigüedad.

Entre los siglos XI y XIV, en poco más de 800 años Europa asistió a la construcción de cientos de Catedrales e Iglesias, semejante afán de construcción ha estado rodeado de un halo de misterio, y especialmente en las últimas décadas, multitud de trabajos han pretendido ver en esos prodigios del saber y la fe de la Edad Media y en aparición repentina del arte gótico, una demostración física y palpable del conocimiento esotérico de templarios y alquimistas. El las logias de constructores medievales existía una ley de silencio, que impedía revelar los conocimientos adquiridos popularizando así la representación de Dios geómetra, Creador como gran Arquitecto del Universo.

Las Catedrales Góticas nos transcienden, esa luz transformada por sus excepcionales vidrieras o las corrientes telúricas que la atraviesan siguen sobrecogiéndonos e induciéndonos a la quietud y sobrecogimiento. Hoy iniciamos un ciclo dedicado a las Grandes Catedrales Europeas, nuestro viaje comienza por La Catedral de Burgos, que se levanta majestuosa en pleno camino a Santiago de Compostela.

Pocas películas huyen de su momento histórico. Para bien y para mal, los artistas y sus obras están marcados por su época de creación, por la ideología y la sociedad de su tiempo.

Ejemplo de ello lo tenemos en el filme El silencio de un hombre, metáfora rotunda de la soledad, de la máscara - persona, de la precisa mirada que logra voltear un género de manera revolucionaria, para crear una obra de culto de enorme influencia en el tiempo, es un retrato que describe con extraña atmósfera empática e hipnótica una universalidad y un permanente halo de complicidad.

El director francés Jean-Pierre Melville convierte la historia de un hermético y frío asesino a sueldo, ese Jeff Costello que Alain Delon perfila con implacable decisión y un dominio del espacio, los planos y la mirada, en un antihéroe que transmite una sucesión de pulsos dramáticos. Ejercicio de estilo pero también juego formal y estético, el filme desnuda un territorio existencialista, renueva el género más forjado en estereotipos y se adentra en una impresionante puesta en escena. Todo en el filme El silencio de un hombre tiene algo de composición pictórica entre minimalista y abstracta que, sin embargo, produce una colisión contundente y eficaz con ese aire de desencanto, de desmayada soledad, de inevitabilidad del destino. Hay una sombría corriente que atraviesa la película, toda ella dotada de una sensación de invisibilidad a través de la cual el personaje de Costelo se postula como un espejo de la realidad.

La criatura metódica, fría, inteligente es la llave de un cine que discurre entre la intriga, lo negro, lo policíaco, pero todo entreverado por el uso magnético de la luz, ese magma que impregna lo poético y lo riguroso, la pausa y la potencia visual. Así se creó y desarrolló el CINE NEGRO, tema que compartimos con ustedes en esta emisión.

La ilustración científica es una disciplina a medio camino entre el arte y la ciencia que sirve para apoyar visualmente los trabajos de investigadores en áreas tan diversas como la botánica, la biología, la zoología, la astronomía, la geología o la arqueología, entre otras. Puede tratarse de un objeto, un proceso complejo, diagramas o cualquier otra información que requiera representación gráfica. En cualquier caso, este tipo de ilustración se basa en la rigurosidad y la precisión, y muchas veces es el único medio para comprender un concepto científico. La ilustración científica es una disciplina que no solo traslada información a un público generalista, sino que también es útil para los propios científicos.

Este tipo de ilustración surge como una necesidad y disciplina en el siglo XVIII, pero en realidad aparece desde las cavernas europeas, donde tenemos las primeras representaciones de animales. La disciplina surge con toda la era de la exploración, porque es cuando se comenzó a descubrir, y a describir miles de especies y aún no había surgido la fotografía. La única herramienta que teníamos para mostrar toda esta diversidad era por medio de la ilustración. Sin duda, las más espectaculares surgieron entre los siglos XVIII y XIX

Justo en junio de 1817, el entonces director del Real Jardín Botánico, Don Mariano Lagasca, recibía en el puerto de Cádiz un cargamento de 104 cajones que supondrían una de las mayores aportaciones a la divulgación científica de la historia. El tesoro, embalado con especial minuciosidad, estaba compuesto por semillas, resinas, minerales, dibujos de plantas y los manuscritos de José Celestino Mutis. Hoy hablaremos de la vida y obra de este gran sabio español.