Civilcinema

En retrospectiva, todo lo extraño que nos pueda resultar el Satyricon de Fellini —porque vaya que lo es— acaba por hacer sentido al observar las dos líneas maestras de su filmografía. Por un lado, la lenta progresión hacia retratos cada vez más acabados y complejos de la condición humana; por el otro, la exploración de su terreno natural, la ciudad de Roma entendida como crisol de occidente, capaz de contener lo sublime y lo abyecto, lo perenne y lo fugaz, lo serio y lo ridículo. Al centro de este diseño, deliberadamente abstracto y ajeno (subrayando así nuestra imposibilidad de conectar con ese pasado distante) se encuentra la estructura fragmentaria episódica del propio argumento del filme. No podía ser de otra manera: el Satiricón de Petronio —escrito durante los años de Nerón— sólo se conserva a pedazos, trozos desconectados que sin embargo poseen como hilo conductor las aventuras de Encolpio y Ascilto, dos pícaros que transitan por los más diversos escenarios durante días críticos del imperio; dos personajes que en realidad son uno solo, capaces de moverse entre nobles, comerciantes, amantes y esclavos, circular tanto "arriba" como "abajo" en un mundo que apenas lo atrapan se aleja, fuera de su alcance.
En su intento de dialogar con Pasolini —otro interesado en esta Roma inmortal y perecible— Fellini creó un filme de inmensa influencia sobre sus contemporáneos, una obra que los contiene y los expande. Sobre eso y más se habla en este podcast.

A fines de los años 40, Rossellini tenía clara conciencia de dos cosas : que su cine estaba superando los confines del paradigma neorrealista y que hacía sentido la idea de realizar un filme en idioma inglés. A dos océanos de distancia, Ingrid Bergman —por entonces, la actriz más famosa y celebrada del mundo— sentía superada su etapa como actriz de Hollywood y decidía escribir una carta... a Rossellini. Fruto de esa coincidencia emerge una colaboración artística única en la historia del cine, un romance tempestuoso y un escándalo mediático. Dando por conocidos los dos últimos, siempre será importante relevar lo primero: sin tener total claridad de lo que estaban consiguiendo frente a las cámaras, al narrar la historia de Karen —mujer que sale del campo de refugiados donde ha estado retenida desde el final de la guerra, sólo para ir a encerrarse recién casada a una minúscula isla volcánica que se convierte en otra cárcel más—, Rossellini y Bergman están sentando las bases de lo que hoy conocemos como cine moderno. Un cine centrado en la sicología de sus personajes, donde el conflicto es interior y el trauma se corporeíza, se vuelve material, a través del entorno, las cosas y las relaciones. Prodigiosa como es, Stromboli también es el punto de origen del cine de Ingmar Bergman, Antonioni, Godard, Wenders, Kiarostami y enorme estirpe de realizadores que se extiende hasta hoy. Sobre ese inmenso legado y algo más se habla en este podcast .

#580 The Backrooms (2022-2025), de Kane Parsons by Civilcinema

Concebida como filme espectáculo, superproducción y aventura definitiva, La Odisea de Nolan es también algo más: una película realizada casi totalmente con recursos analógicos —material en fílmico, efectos ópticos y prácticos, escenografía construida a mano— en una era donde gran parte del proceso cinematográfico se ha vuelto plenamente digital. Más allá de la sorpresa que ello pueda causar a espectadores de siglo XXI (que han incorporado la artificialidad como parte natural de la experiencia fílmica), la pregunta es si acaso esta tremenda combinación de gigantismo, ambición y artesanía es capaz de decirnos algo acerca de la condición humana, el complejo y salvaje legado de la civilización occidental y la forma en que lidiamos con las consecuencias de nuestros actos, porque independiente de lo recaudado en taquilla, de lo debatido en las redes y de las opiniones de toda clase de expertos, eso es lo que parecen estar persiguiendo los cineastas con su filme. En ese sentido, La Odisea viene a ser el complemento lógico de Oppenheimer, ambas parte de un díptico que intenta enlazar presente y pasado, acercar algo que parece distante y ponerlo frente a nuestros ojos. De eso y más se discute en este podcast.

A comienzos de la década del 50, el binomio artístico-sentimental de Ingrid Bergman y Roberto Rossellini estaba plenamente consolidado. Pese al escándalo en Hollywood, a la mala prensa en Italia y la excomunión del Vaticano a ambos, el dúo se lanzó a explorar un terreno totalmente nuevo en la historia del audiovisual: el drama sicólogico existencial.
Hijo directo de la inmensa crisis social y personal gatillada tras la posguerra, este nuevo tipo de filme indagaba en el trayecto social y espiritual de personajes sometidos a tensiones imposibles. Se trataba, en esencia, de un viaje interior que bebía de raíces melodramáticas, pero que superaba con mucho las convenciones del cine de género. En cierta forma, se trataba del origen de lo que alguna vez se conoció como cine arte, cine de autor o cine ensayo. La primera muestra de algo que más tarde desarrollarían multitud de cineastas, artistas como Bresson, Bergman, Fellini, Antonioni, Erice, Wenders, Kiarostami, Kieslowski y un largo listado que llega hasta nuestros días.
Incluso así, y dicho todo lo anterior, Europa '51 todavía sorprende al narrar la historia de una mujer de clase alta quien, tras la muerte de su hijo, comienza a ver el mundo de una forma que nadie, ni siquiera sus más cercanos, pueden compartir. Es como si, de un momento a otro, el velo que tiene sobre los ojos se descorriese y comenzara a ver el mundo en términos totalmente espirituales, sin concesión alguna. Sobre esa situación imposible, sobre este logro artístico absoluto, sde discute en este podcast.