Civilcinema

Lo que hace de M. Il figlio del secolo una pieza magistral no sólo es su teatralidad extrema, su virtuosismo a la hora de romper la cuarta pared y por cierto que tampoco la cuasi sobrehumana interpretación de Luca Marinelli en el papel de un Mussolini en pleno ascenso hasta el tope, sino la forma en que, desde su minuto inicial, la serie se sitúa no en la Italia de hace cien años sino en el mundo contemporáneo, en el ahora, en nuestro momento a momento. Sin ánimo de venir a hacer advertencias sobre un eventual regreso del fascismo, más bien al revés, reconociendo que eso ya es una realidad, el programa asume al completo que toda pieza de época es un comentario sobre el presente y obra en consecuencia: el Mussolini de esta historia —adaptada a partir de la novela homónima de Antonio Scurati— es tanto protagonista como antihéroe; tanto líder de una pandilla mafiosa como diestro político que no sabe sino vivir al borde, siempre; tanto personaje histórico como comnentarista que vuelve de ultratumba a refregarnos en la cara lo que ya sabíamos desde el principio. De eso y más se habla en este podcast.

Inmerso como llegó a estar en la contracultura neoyorkina, en plenos años 60 nadie habría confundido a Jonas Mekas con el inmigrante que llegado desde la Europa en guerra comenzó a figurarse su lugar en el mundo paso a paso, escribiendo, fotografiando y filmando en plan amateur lo que tenía más a mano: su propia vida. Los cortos que Mekas creó en dicho período serían integrados en configuraciones distintas en su primer filme "summa": Walden, en 1969, una obra que rinde tributo al libro homónimo de H.D. Thoreau, pero trasladando ese lugar de retiro en los bodques al corazón de una ciudad enorme, y en la que sin embargo se puede vivir retirado como el filósofo alguna vez imagino, pero insólitamente en medio del mundanal ruido, en medio del frenesí de los otros. De eso y más se habla en este podcast.

Filme sensación en la edición 2025 del Festival de Cannes, Sirāt es sorprendentemente simple en anécdota y ejecución, pero su verdadero sentido parece estar más allá. Un padre que busca a su hija desaparecida, junto a su hijo pequeño, se une a una caravana de ravers en el cruce de las montañas Atlas , en Marruecos, al tiempo que parece estallar un conflicto bélico global. En el camino, no sólo la búsqueda comienza a perder sentido: lo mismo ocurre con ir a la rave, atravesar peligrosos caminos, seguir por la ruta hacia adelante. Usando un elenco mayormente integrado por verdaderos transhumantes de las fiestas electrónicas y un esquema narrativo anclado en los filmes de carretera y la travesía hacia el "corazón de las tinieblas" (la misma que alguna vez utilizó Apocalipsis Ahora), Sirāt llega por otra ruta a un destino similar al propuesto por Mad Max: Fury Road, el de la fábula terminal acerca del primer mundo, el lugar donde se suponía que todos debían dirigirse y que se revela vacío de contenido, sentido, entidad. De eso y más se habla en este podcast.

Considerando que una película siempre es hija del tiempo y el contexto en que se filman y se estrenan, ¿en qué medida se puede decir que La Ola es una cinta que llegó "tarde" a su público? Porque ese es el primer impulso a la hora de intentar encuadrar y comprender su fracaso en la cartelera: la audiencia ya habría dejado atrás la lógica de la protesta y el estallido social y, políticamente, se ubica en el otro extremo de lo que dio origen a la revuelta. El punto es que es demasiado fácil encasillarla en esos términos, sobre todo cuando se toma distancia y se observa con atención el relato de una alumna universitaria que queda atrapado en el torbellino público y emocional que —tanto en la película como en la vida real— atrapó a buena parte de su generación. En su primera película filmada en chile después de Una mujer fantástica, Sebastián Lelio parece menos preocupado de dar cuenta de la contingencia que de ofrecer una mirada larga, una que se sostenga para el momento y en el tiempo. La tarea no es fácil: el realizador no sale indemne del esfuerzo, pero consigue algo que suele echarse de menos en el cine chileno: filmar la historia, la pública y la personal. De eso y más se habla en este podcast.

¿Cómo crear un filme que, al mismo tiempo, sea una pieza de autor, un producto de alcance masivo y un objeto que deje una marca en la cultura? la última ocasión en que un realizador había intentado algo parecido —Quentin Tarantino con Érase una vez en Hollywood— éste fue tan alabado como fustigado por cierta parte de público y crítica, pero en general se salió con la suya: su película va camino de convertirse en un clásico. El punto ahora es qué ocurre si a todo el mix anterior agregas una lectura abiertamente política, una que se sitúa de lleno ya no en el pasado reinventado (y lejano) sino en un presente totalmente reconocible, sobre todo para una conflictuada izquierda progresista y una derecha autoempoderada. Pues bien, eso es lo que pone sobre la mesa One Battle After Another: filmada en Vistavision, 65mm, con película física (el formato de mayor nitidez y espectacularidad disponible), protagonizada por Leonardo DiCaprio, en un registro tan maduro como satírico; realizada con efectos especiales prácticos, de abrumadora finura y destreza; basada tangencialmente en una novela del elusivo Thomas Pynchon (rescatando de paso mucho mejor su universo literario y humanista que Inherent Vice, la anterior adaptación de su obra); ambientada, por último, en un Estados Unidos abiertamente reconocible, un mundo de grupos de interés, bandos opuestos, sociedades secretas y armas automáticas, en el que efectivamente se dan cruciales batallas (públicas y privadas) día tras día; en fin, todo ello da cuenta de un extraordinario esfuerzo técnico y artístico, tal vez el más complejo y el más frontal emprendido por Paul Thomas Anderson, en la cumbre de su profesión e influencia en el medio. Wow, qué película y qué ambición. De eso y más se habla en este podcast.