PuroJazz

NOLATET SOMETHIN’ TO RELAX WITH - Tulsa OK April 19, 2025 - Switchback, Cluster, Surely Hazard - Mike Dillon (vib,mar,tabla,perc) Brian Haas (p) James Singleton (b) Johnny Vidacovich (d)
Ocho años después de su último disco, “No Revenge Necessary”, el super grupo de Nueva Orleans Nolatet regresa con un nuevo repertorio que confirma tanto su identidad como su espíritu. La banda combina la sólida sección rítmica del Astral Project —James Singleton en contrabajo y Johnny Vidacovich en batería— con la energía expansiva del vibrafonista y percusionista Mike Dillon y el pianista Brian Haas. El resultado es una música que equilibra la experiencia de músicos curtidos con una clara resistencia a encasillarse en un estilo fijo.
Ser de Nueva Orleans es tanto una actitud como un lugar, y Nolatet lleva esa actitud consigo, en esta ocasión el grupo se trasladó a Tulsa, Oklahoma para grabar su tercer álbum en vivo en el club LowDown, frente a un público entusiasta que captó de inmediato ese espíritu flexible y comunicativo que define al cuarteto.
JAKOB BRO TAKING TURNS - New York, March, 2014 - Black is all colors at once, Haiti - Lee Konitz (as,sop) Jason Moran (p) Jakob Bro (g,comp) Bill Frisell (g) Thomas Morgan (b) Andrew Cyrille (d)
El prestigio del guitarrista danés Jakob Bro creció de forma decisiva cuando en 2006 reemplazó a Bill Frisell en la banda del baterista Paul Motian, una conexión que lo acercó por primera vez al saxofonista alto Lee Konitz. En este album, “Taking Turns” junto a Bro y Konitz, se reúne un sutil “supergrupo” que incluye a Frisell, el pianista Jason Moran, el contrabajista Thomas Morgan y el baterista Andrew Cyrille.
El tema de apertura, “Black Is All Colors at Once”, se despliega con delicados arpegios de guitarra antes de que Konitz —entonces con 86 años— deje oír un fraseo profundo y meditativo, alternando registros graves con agudos que sostiene sin repetirse, sobre el entramado de guitarras y el pulso ágil pero discreto de Morgan.
RON MILES “OLD MAIN CHAPEL” - Boulder, CO, September 21, 2011 - Guest of honor, Ruby go round - Ron Miles (tp) Bill Frisell (g) Brian Blade (d)
“Old Main Chapel” fue grabado en vivo en el recinto del mismo nombre en Boulder, Colorado, el 21 de septiembre de 2011, apenas un día antes de que el trío de Ron Miles (tp) Bill Frisell (g) Brian Blade (d) entrara al estudio para registrar su debut, “Quiver”. El programa —siete piezas en total— reúne seis composiciones originales de Miles, varias de ellas en versiones más extensas de las que luego aparecerían en el disco”.
Se trata de una música de cámara jazzística de alto nivel: más que centrarse en un solista, sigue la interacción constante entre los tres músicos. La trompeta de Miles se aleja de cualquier gesto declamatorio y privilegia un fraseo contenido, de notable sutileza tímbrica.


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CHARLIE JOHNSON AND HIS PARADISE BAND
- New York, September 19, 1928 - The boy in the boat, Walk that thing - Leonard Davis, Sidney DeParis, Jimmy Harrison (tp) Ben Whitted (cl,as) Edgar Sampson (cl,as,vln) Benny Waters (cl,ts,arr) Charlie Johnson (p) Bobby Johnson (bj) Cyrus St. Clair (tu) George Stafford (d)
- New York, May 8, 1929 - Harlem drag, Hot bones and rice - Leonard Davis, Sidney DeParis (tp) George Stevenson (tb) Edgar Sampson, Ben Whitted (cl,as) Benny Waters (cl,ts) Charlie Johnson (p) Bobby Johnson (bj) Billy Taylor, Sr. (tu) George Stafford (d)
Charlie Johnson dirigió una de las mejores bandas de la década de 1920. Comenzó a tocar el trombón, trabajando de forma independiente en el área de Nueva York a partir de 1914. Sin embargo, después de mudarse a Atlantic City, se cambió al piano. Nunca fue realmente un solista, era más bien un acompañante que tenía un don para armar bandas de jóvenes estrellas. Dirigió una serie de grupos a partir de 1918 y grabó con la cantante de blues clásico Mary Stafford en 1921. Su Paradise Ten se estableció en el club Small’s Paradise durante 1925-35. La banda de Johnson grabó cinco sesiones notables durante 1925-29, con acompañantes como Thomas Morris, Jabbo Smith, Leonard Davis, Sidney DeParis, Charlie Irvis, Jimmy Harrison, Benny Carter y Benny Waters, además de la vocalista invitada Monette Moore.
Después de que la banda cerrara en Small’s en 1935, Charlie Johnson se desvaneció de la escena, tocando solo de vez en cuando a principios de la década de 1950 y nunca más volvió a grabar.
Entre los aspectos más destacados se encuentran “Don’t You Leave Me Here”, “You Ain’t the One”, “Charleston Is the Best Dance After All”, y tres tomas de la emocionante “Walk That Thing”. Jabbo Smith se roba el espectáculo en un par de ocasiones, pero un gran porcentaje de los acompañantes de Johnson fueron musicos importantes, y tanto el trabajo del conjunto como los solos están en un nivel consistentemente alto.
TRUMMY YOUNG BIG SEVEN - New York, September 3, 1946 - Blues triste, Fruttie cutie, Johnson rock, Lucky draw - Buck Clayton (tp) Trummy Young (tb) Buster Bailey (cl) George Johnson (as) Jimmy Jones (p) John Levy (b) Cozy Cole (d)
James “Trummy” Young fue famoso tanto por su sonido extrovertido como por sus trabajos con Jimmie Lunceford y Louis Armstrong. Creció en Washington, D.C., y trabajó con Booker Coleman’s Hot Chocolates (1928). Se mudó a Chicago, donde fue solista destacado con la orquesta de Earl Hines (1933-37). Mientras estaba con Jimmie Lunceford (1937-43), Young fue la estrella de la exitosa versión de la banda de “Margie”, cantando y tomando un famoso solo de trombón.
Young fue lo suficientemente flexible como para tocar con cualquiera, incluso participar en una cita dirigida por el pianista Clyde Hart que incluía a Charlie Parker y Dizzy Gillespie.
Para la sesión de Trummy Young’s Big Seven del 3 de septiembre de 1946, el trompetista Buck Clayton y el saxo alto George Johnson son responsables de la mayor parte del repertorios (y posiblemente también de los arreglos, con la ayuda del habitual Jimmy Jones).
Hay nuevas caras, son el clarinetista Buster Bailey de las bandas de Fletcher Henderson y John Kirby, el maestro de la batería Cozy Cole, y el bajista John Levy, que había llegado a Nueva York desde Chicago con Stuff Smith.
El precioso e inquietante tema BLUES TRISTE de Jimmy Jones es quizás el más avanzado de la sesión. Bailey y Jones lo montan, Buck lidera el conjunto. Bailey es fluido y sofisticado, Jones, en su uso de acordes con un sonido casi similar al arpa, el alto George Johnson es fino y Trummy ofrece el mayor contraste en un estilo más bopero.
BUNK JOHNSON JAZZ BAND - New Orleans, LA, October 2, 1942 - Big Chief Battle Axe, Dusty rag, Franklin Street blues, The Thriller rag, Sobbin’ blues - Bunk Johnson (tp) Albert Warner (tb) George Lewis (cl) Walter Decou (p) Lawrence Marrero (bj) Chester Zardis (b) Edgar Mosley (d)
Para algunos, a principios de los años 40, Bunk no era un musico genuino. Para otros, era una especie de dios cuyo descubrimiento parecía venir directo del nacimiento del jazz. En retrospectiva, la verdad parece estar en el punto medio. Ahora sabemos que Bunk era un embustero que mintió sobre su edad y era demasiado joven para haber tocado con Buddy Bolden, aunque sin duda lo escuchó.
Su sesión de octubre de 1942 que vamos a escuchar nos trae una música de Nueva Orleans que no había sido documentada en disco hasta la primera cita de Bunk unos meses antes. Las bandas negras de Nueva Orleans que hicieron discos en los años 20 fueron en su mayoría las que tocaron para el público blanco, con pocas excepciones notables como Sam Morgans. Esta música tocada por músicos de mediana edad para sus contemporáneos, principalmente para bailar, con un toque de bandas de desfile. Bunk tenía sus propias ideas sobre cómo debería ir la música. No era realmente un improvisador, ciertamente no en el sentido post Armstrong (aunque curiosamente su fraseo fue claramente influenciado por Louis).
Aparte de Bunk, el músico más interesante aquí es el clarinetista George Lewis, que llevaría el estandarte bandera de este tipo de jazz de Nueva Orleans en las décadas posteriores a la muerte de Bunk en 1949. Sus puntos fuertes eran la sinceridad absoluta, un tono y una manera con el blues que era suyo. Los otros, aparte del banjoista Lawrence Marrero que, al igual que Lewis, llegó al norte con Bunk más tarde.
ZUTTY SINGLETON:
- ZUTTY’S CREOLE BAND - Los Angeles, June 30, 1944 - Oh, didn’t he ramble, Crawfish blues - Norman Bowden (tp) John “Shorty” Haughton (tb) Barney Bigard (cl) Freddie Washington (p) Bud Scott (g) Ed Garland (b) Zutty Singleton (d)
- ZUTTY’S TRIO - Los Angles, June 30, 1944 - Barney’s bounce, Lulu’s mood - Barney Bigard (cl) Freddie Washington (p) Zutty Singleton (d)
El gran baterista Zutty Singleton, nacido en Nueva Orleans, se había establecido en Los Ángeles en 1943, y la ciudad siguió siendo su base durante unos ocho años. Sus afiliaciones iban desde Slim Gaillard hasta Wingy Manone, e hizo trabajos de cine y radio. Aquí está elegido con el trompetista Norman Bowden, que suena positivamente arcaico, pero Barney Bigard está en forma juguetona. Bud Scott y Ed Garland, al igual que Barney, son de Nueva Orleans y el pianista Freddie Washington, aunque de Texa, habían estado con Kid Ory ya en 1921. RAMBLE, el himno de Nueva Orleans, tiene un buen Bigard en conjunto y solo, y un sólido solo del veterano trombonista de big band Shorty Haughton. No tan bueno - ni el clarinete ni el piano alcanzan el mismo nivel.


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El cuarto programa dedicado a Sonny Rollins, una etapa discutida de su carrera: los años 80 y 90 cuando la crítica lo trató duramente quizás injustamente, pero sus registros en vivo del nuevo siglo reafirmaron su estatura histórica. Ese período será el foco del programa final del próximo lunes: La primera década del XXI.
La trayectoria de los grandes artistas rara vez es lineal. En el caso de Rollins, más que una única cumbre, hubo distintas mesetas creativas.
Desde los años sesenta, muchos músicos y críticos coincidían en que el verdadero territorio de Sonny Rollins eran las actuaciones en vivo con sus solos —largos, arquitectónicos, llenos de humor y riesgo— que alcanzaban su máxima intensidad frente al público.
Durante los años ochenta y parte de los noventa, sin embargo, algunos sectores de la prensa especializada cuestionaron ciertos aspectos de sus grabaciones: el uso de reverberación, repertorios considerados menos arriesgados y discos de estudio que, según varios críticos, no lograban reflejar la energía de sus presentaciones en vivo.
En este cuarto programa dedicados a la carrera e influencia de Sonny Rollins, presentaremos álbumes de ese periodo que considero tan sobresalientes como los de años anteriores.
SONNY ROLLINS:
G-MAN - FILM SOUNDTRACK, “OPUS 40” - Saugerties, New York, August 19, 1986 - G-Man - Sonny Rollins (ts) Clifton Anderson (tb) Mark Soskin (keyboards) Bob Cranshaw (elb) Marvin “Smitty” Smith (d)
En 1986, su Concerto for Tenor Saxophone and Orchestra tuvo la premiere mundial en Japón. Irónicamente, no sería esa presentación la que quedaría más grabada en la memoria de los aficionados, sino un concierto mucho más pequeño realizado meses después, el 16 de agosto. El director de cine Robert Mugge filmó a Rollins en la locaalidad de Saugerties, New York, donde se encuentra Opus 40, una gran escultura ambiental de Harvey Fite. Rollins actuó al aire libre junto a Clifton Anderson, Bob Cranshaw, Marvin “Smitty” Smith y Mark Soskin.
La música alcanzó un nivel extraordinario. Rollins interpretó con intensidad “GMan”, “Kim”, seguidas por potentes versiones de “Don’t Stop the Carnival” y “Tenor Madness”. Luego llegó una extensa cadencia en la que citó fragmentos de melodías muy diversas: el “Anvil Chorus” de Giuseppe Verdi, la “Funeral March” de Frédéric Chopin, “A Kiss to Build a Dream On” asociada a Louis Armstrong, además de canciones populares.
En medio de ese despliegue musical ocurrió lo inesperado. Rollins saltó desde el escenario de unos dos metros de altura y se fracturó el talón derecho y cayó de espaldas. Sin poder levantarse, comenzó a tocar “Autumn Nocturne”, mientras el público, atónito, creía que todo formaba parte del espectáculo. Terminó la pieza todavía tendido en el suelo.
Rollins renunció a atención médica: “No, voy a terminar el concierto”, y así lo hizo. El episodio se convirtió rápidamente en leyenda dentro del mundo del jazz, y la interpretación de “GMan” registrada esa noche terminaría siendo considerada una de las más memorables de su carrera.
OLD FLAMES - New York, July & August 1993 - My Old Flame - Clifton Anderson (tb) Sonny Rollins (ts) Tommy Flanagan (p) Bob Cranshaw (elb,b) Jack DeJohnette (d) plus Brass Choir : Jon Faddis, Byron Stripling (flhrn1) Clifton Anderson (tb1) Alex Brofsky (fhr1) Bob Stewart (tu1)
En 1993, las muertes de Dizzy Gillespie en enero y de Billy Eckstine en marzo reforzaron en Sonny Rollins la sensación de responsabilidad que sentía como uno de los grandes sobrevivientes de su generación. Rollins y Gillespie se habían encontrado por última vez en el verano de 1992 en Rotterdam, durante la gira Diamond Jubilee que celebraba los setenta y cinco años del trompetista.
Con ese contexto en mente, Rollins comenzó a planificar su siguiente álbum , Old Flames, grabado en julio y agosto de ese año. Para el proyecto convocó a su viejo amigo Jimmy Heath, con quien —según decía— había estado “unido desde hace cien años”, para que escribiera arreglos para un coro de metales y también dirigiera las sesiones.
El disco está compuesto casi enteramente por baladas, con una sola pieza original de Rollins, “Times Slimes”. El núcleo del grupo incluyó a Clifton Anderson, Bob Cranshaw, Jack DeJohnette y Tommy Flanagan, junto a un ensamble de metales con Jon Faddis, Byron Stripling, Alex Brofsky y Bob Stewart.
Los arreglos de Heath para “Darn That Dream” y “Prelude to a Kiss” resaltan el lado más lírico de Rollins.
SONNY ROLLINS +3 - New York, August 30, 1995 - What A Difference A Day Made - Sonny Rollins (ts) Stephen Scott (p) Bob Cranshaw (elb) Jack DeJohnette (d)
Sonny Rollins +3, grabado en dos sesiones en agosto y octubre de 1995 en Nueva York, muestra a Rollins en excelente forma rodeado de un sólido grupo de colaboradores. Desde su contrato con Milestone de los años setenta, algunos críticos habían cuestionado la calidad de sus acompañantes para las sesiones del sello. En este caso, sin embargo, no había mucho que objetar: el álbum reúne a músicos de primer nivel como Tommy Flanagan o Stephen Scott en piano, su tradicional bajista eléctrico Bob Cranshaw y, en batería, a Jack DeJohnette o Al Foster.
El repertorio combina dos composiciones originales con cinco estándares muy asociados a cantantes.
GLOBAL WARMING
- New York, January 7, 1998 - Mother nature’s blues - Sonny Rollins (ts) Stephen Scott (p) Bob Cranshaw (elb) Idris Muhammad (d)
- New York, February 28, 1998- Clearcut boogie - Clifton Anderson (tb) Sonny Rollins (ts) Stephen Scott (p,kalimba1) Bob Cranshaw (elb) Perry Wilson (d) Victor See Yuen (perc)
Global Warming (1998), el vigésimo álbum de Sonny Rollins para Fantasy Records, es uno de los proyectos más conceptuales de esta etapa. Preocupado por la falta de acción frente al cambio climático —tema que llevaba estudiando desde hacía años— Rollins concibió el disco como una obra con conciencia ecológica, al punto de describirlo como “mi Freedom Suite de 1998”, en alusión a su influyente álbum de 1958.
El repertorio incluye cuatro composiciones originales inspiradas en su preocupación ambiental.


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TOMEKA REID OLD NEW - Brooklyn, NY, April 18, 2018 - Old new, Wabash blues, Niki’s bop - Mary Halvorson (g) Tomeka Reid (cello) Jason Roebke (b) Tomas Fujiwara (d)
Old New, el segundo álbum del cuarteto de la violonchelista Tomeka Reid, muestra por qué se ha convertido en una de las voces más interesantes del jazz actual. Compositora, arreglista e improvisadora, Reid representa con naturalidad ese espíritu explorador que siempre ha impulsado al jazz.
Aunque participa en grabaciones desde su debut discográfico en 2002, Old New es apenas su segundo trabajo como líder de su propio grupo. El disco presenta una formación poco común: un cuarteto de cuerdas que funciona como un conjunto híbrido, donde cada músico puede asumir distintos roles —bajo, melodía o ritmo— según lo requiera la música.
Una de las ideas centrales del proyecto fue prescindir de un instrumento armónico tradicional. En su lugar aparece la guitarra de Mary Halvorson, cuyo uso creativo de pedales genera un contraste inmediato con el sonido completamente acústico del violonchelo de Reid.
Para Reid, una de las ventajas de su instrumento es que su presencia en el jazz aún tiene mucho espacio por explorar. A diferencia de la trompeta o el saxofón, no existe una tradición demasiado rígida que marque el camino. Esa libertad es justamente la que impulsa la música de Old New.
RUSS LOSSING PROXIMITY ALERT - South Orange, NJ, April 3, 2024 - Incommunicado, Boodda, Apostrophe, Proximity alert - Russ Lossing (p) Mark Helias (b) Eric McPherson (d)
Nacido en Ohio y radicado en Nueva York, el pianista y compositor Russ Lossing lleva años explorando las posibilidades del trío de piano. En sus comienzos tocó junto al contrabajista Ed Schuller y el baterista Paul Motian, y más adelante mantuvo un prolongado trío con Masa Kamaguchi y Billy Mintz.
En 2020 inició una nueva etapa con el contrabajista Mark Helias y el baterista Eric McPherson, dos músicos de amplia trayectoria que hoy forman la base de *Proximity Alert*, una sesión de once piezas centrada en la interacción y la escucha colectiva.
“Incommunicado” abre el disco con un tema amplio y enérgico, donde se perciben algunos guiños a la música clásica contemporánea. En las secciones improvisadas, el trío se mueve con espacio y contención, construyendo un lenguaje sobrio pero lleno de matices.
DAVE REMPIS / TIM DAISY BACK TO THE CIRCLE - Chicago, Il, February, 2004 - Welcome, Back to the circle, Huff - Dave Rempis (as,ts) Tim Daisy (d)
El saxofonista Dave Rempis y el baterista Tim Daisy forman parte de la activa escena avantgarde de Chicago. Han tocado juntos en distintos proyectos desde fines de los años noventa, y su segundo disco como dúo, “Back To The Circle”, surge después de más de dieciséis años compartiendo experiencias dentro del jazz improvisado.
El álbum reúne seis piezas completamente improvisadas, grabadas en una sola sesión. La música avanza con la naturalidad de una conversación: ideas que aparecen en el momento y se transforman a medida que progresa el intercambio entre saxofón y batería.
Rempis alterna entre saxofones tenor, alto y barítono —a veces dentro de una misma improvisación—, generando cambios constantes de color y registro. El formato puede recordar al célebre dúo de John Coltrane y Rashied Ali en el álbum Interstellar Space, aunque aquí el enfoque es diferente.
Daisy evita una percusión demasiado densa y prefiere un estilo más ligero y flexible. La casi ausencia del bombo deja mucho espacio en el registro grave, lo que le da a la música una sensación de amplitud y movimiento. Sin bajo ni instrumentos armónicos, el dúo avanza guiado por la escucha mutua y la intuición.


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TOMEKA REID OLD NEW - Brooklyn, NY, April 18, 2018 - Old new, Wabash blues, Niki’s bop - Mary Halvorson (g) Tomeka Reid (cello) Jason Roebke (b) Tomas Fujiwara (d)
Old New, el segundo álbum del cuarteto de la violonchelista Tomeka Reid, muestra por qué se ha convertido en una de las voces más interesantes del jazz actual. Compositora, arreglista e improvisadora, Reid representa con naturalidad ese espíritu explorador que siempre ha impulsado al jazz.
Aunque participa en grabaciones desde su debut discográfico en 2002, Old New es apenas su segundo trabajo como líder de su propio grupo. El disco presenta una formación poco común: un cuarteto de cuerdas que funciona como un conjunto híbrido, donde cada músico puede asumir distintos roles —bajo, melodía o ritmo— según lo requiera la música.
Una de las ideas centrales del proyecto fue prescindir de un instrumento armónico tradicional. En su lugar aparece la guitarra de Mary Halvorson, cuyo uso creativo de pedales genera un contraste inmediato con el sonido completamente acústico del violonchelo de Reid.
Para Reid, una de las ventajas de su instrumento es que su presencia en el jazz aún tiene mucho espacio por explorar. A diferencia de la trompeta o el saxofón, no existe una tradición demasiado rígida que marque el camino. Esa libertad es justamente la que impulsa la música de Old New.
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RUSS LOSSING PROXIMITY ALERT - South Orange, NJ, April 3, 2024 - Incommunicado, Boodda, Apostrophe, Proximity alert - Russ Lossing (p) Mark Helias (b) Eric McPherson (d)
Nacido en Ohio y radicado en Nueva York, el pianista y compositor Russ Lossing lleva años explorando las posibilidades del trío de piano. En sus comienzos tocó junto al contrabajista Ed Schuller y el baterista Paul Motian, y más adelante mantuvo un prolongado trío con Masa Kamaguchi y Billy Mintz.
En 2020 inició una nueva etapa con el contrabajista Mark Helias y el baterista Eric McPherson, dos músicos de amplia trayectoria que hoy forman la base de *Proximity Alert*, una sesión de once piezas centrada en la interacción y la escucha colectiva.
“Incommunicado” abre el disco con un tema amplio y enérgico, donde se perciben algunos guiños a la música clásica contemporánea. En las secciones improvisadas, el trío se mueve con espacio y contención, construyendo un lenguaje sobrio pero lleno de matices.
DAVE REMPIS / TIM DAISY BACK TO THE CIRCLE - Chicago, Il, February, 2004 - Welcome, Back to the circle, Huff - Dave Rempis (as,ts) Tim Daisy (d)
El saxofonista Dave Rempis y el baterista Tim Daisy forman parte de la activa escena avantgarde de Chicago. Han tocado juntos en distintos proyectos desde fines de los años noventa, y su segundo disco como dúo, “Back To The Circle”, surge después de más de dieciséis años compartiendo experiencias dentro del jazz improvisado.
El álbum reúne seis piezas completamente improvisadas, grabadas en una sola sesión. La música avanza con la naturalidad de una conversación: ideas que aparecen en el momento y se transforman a medida que progresa el intercambio entre saxofón y batería.
Rempis alterna entre saxofones tenor, alto y barítono —a veces dentro de una misma improvisación—, generando cambios constantes de color y registro. El formato puede recordar al célebre dúo de John Coltrane y Rashied Ali en el álbum Interstellar Space, aunque aquí el enfoque es diferente.
Daisy evita una percusión demasiado densa y prefiere un estilo más ligero y flexible. La casi ausencia del bombo deja mucho espacio en el registro grave, lo que le da a la música una sensación de amplitud y movimiento. Sin bajo ni instrumentos armónicos, el dúo avanza guiado por la escucha mutua y la intuición.


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