PuroJazz

A comienzos de los años setenta, Chick Corea ya era una de las figuras centrales del jazz contemporáneo. Tras sus experiencias con Miles Davis, Circle y los primeros años de Return to Forever, inició un período de extraordinaria diversidad creativa. Alternó el piano acústico y los teclados electrónicos, escribió algunas de sus composiciones más perdurables y formó conjuntos que ampliaron las posibilidades del jazz moderno sin perder de vista la tradición. El programa de hoy recorre esa etapa de madurez, desde el lirismo de Crystal Silence hasta el virtuosismo de la Elektric Band y el emotivo homenaje a Bud Powell, uno de los pianistas que más profundamente marcó su formación.
GARY BURTON/CHICK COREA CRYSTAL SILENCE, Oslo, Norway, November 6, 1972 - Crystal Silence - Gary Burton (vib) Chick Corea (p)
En noviembre de 1972, Chick Corea y el vibrafonista Gary Burton se reunieron en Oslo para grabar Crystal Silence, el primero de una serie de discos que daría origen a una de las asociaciones más duraderas del jazz moderno, con más de cuatro décadas de historia. Reunidos por el productor Manfred Eicher para el naciente sello ECM, ambos elevaron el formato del dúo a un nuevo nivel de refinamiento. Sin bajo ni batería, piano y vibráfono dialogan con una claridad casi camerística, apoyados en el espacio, el silencio y una profunda compenetración musical. El repertorio incluye varias composiciones de Corea que con el tiempo se convertirían en clásicos de su catálogo, en una grabación que marcó el inicio de una colaboración tan influyente como perdurable.
RETURN TO FOREVER ROMANTIC WARRIOR - Caribou Ranch, Colorado, February, 1976 - Romantic Warrior - Chick Corea (p,el-p,clavinet,synt,mar,perc) Al Di Meola (el-g,g,soprano-g,hand-bells,slide-whistle) Stanley Clarke (el-b,piccolo-b,b,bell-tree,hand-bells) Lenny White (d,tymp,cga,timb,hand-bells,snare-d,alarm-clock,cymbals)
En 1974, Chick Corea incorporó al guitarrista Al Di Meola, de apenas diecinueve años, para la nueva formación de Return to Forever. Con él, el grupo grabó tres álbumes fundamentales, culminando en Romantic Warrior, registrado en 1976. Fue el disco más exitoso de la banda y una de las obras emblemáticas de la fusión de los años setenta. Junto a Stanley Clarke en bajo y Lenny White en batería, el cuarteto alcanzó un notable equilibrio entre el virtuosismo individual y el trabajo de conjunto. Cada integrante aportó composiciones, dando forma a un repertorio variado pero sorprendentemente cohesionado. Más allá de su deslumbrante despliegue técnico, Romantic Warrior destaca por la solidez de sus ideas musicales y por la manera en que integra elementos del jazz, el rock y la música clásica en un lenguaje propio. Para muchos, representa el punto culminante de Return to Forever.
CHICK COREA FRIENDS - Burbank, CA, January, 1978 - Friends - Joe Farrell (ts,fl) Chick Corea (p,el-p) Eddie Gomez (b) Steve Gadd (d)
Tras varios años dedicados a la fusión, Chick Corea regresó en 1978 a un formato más cercano al jazz acústico con Friends, un álbum que obtuvo al año siguiente el premio Grammy a la mejor interpretación instrumental de jazz. Lo acompañan Joe Farrell en saxofón y flauta, Eddie Gómez en contrabajo y Steve Gadd en batería, cuatro músicos de amplia experiencia que privilegian la interacción y la improvisación por sobre los arreglos elaborados. Corea alterna el piano acústico y el Fender Rhodes en un repertorio que combina melodías de gran atractivo, ritmos de inspiración latina y un lenguaje moderno, siempre accesible y profundamente jazzístico. Friends confirma que, más allá de la fusión, Corea mantenía intacta su capacidad para crear música de gran lirismo y espontaneidad.
Grabado en 1981, Three Quartets reúne a Chick Corea con Michael Brecker en saxo tenor, Eddie Gómez en contrabajo y Steve Gadd en batería, un cuarteto de excepción al servicio de una de las obras más ambiciosas del pianista. Inspirado inicialmente en la idea de escribir para un cuarteto de cuerdas, Corea trasladó ese concepto al jazz, creando una suite en la que los cuatro músicos participan como interlocutores en igualdad de condiciones. Dedicada a Duke Ellington y John Coltrane, la obra combina una escritura cuidadosamente estructurada con amplios espacios para la improvisación. El resultado es una música de gran intensidad rítmica y riqueza armónica, que confirma a Corea como uno de los compositores más imaginativos del jazz contemporáneo.
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CHICK COREA ELEKTRIC BAND EYE OF THE BEHOLDER, Los Angeles, February 1988 - Eye Of The Beholder - Eric Marienthal (as) Chick Corea (keyboard) John Novello (synt-1) Frank Gambale (g) John Patitucci (b) Dave Weckl (d)
En 1986, Chick Corea presentó la Elektric Band, un grupo que revitalizó la fusión al incorporar las nuevas posibilidades de los sintetizadores digitales sin renunciar a la complejidad del jazz. La formación original reunía a Frank Gambale en guitarra, John Patitucci en bajo y Dave Weckl en batería, músicos que pronto se convertirían en referentes de una nueva generación. El álbum debut sorprendió por su precisión técnica, la riqueza de sus composiciones y el equilibrio entre improvisación y escritura. Aunque el sonido refleja la tecnología de su tiempo, la música conserva una vitalidad y una sofisticación que trascienden la década en que fue creada. Con la Elektric Band, Corea volvió a demostrar su permanente interés por explorar nuevos lenguajes sin perder su identidad musical.
CHICK COREA & FRIENDS REMEMBERING BUD POWELL - Los Angeles, 1997 - Bouncin’ With Bud - Wallace Roney (tp-1) Kenny Garrett (as-2) Joshua Redman (ts-3) Chick Corea (p) Christian McBride (b-4) Roy Haynes (d-5)
En 1997, Chick Corea reunió a un destacado grupo de músicos —Joshua Redman, Kenny Garrett, Wallace Roney, Christian McBride y Roy Haynes— para rendir homenaje a Bud Powell, uno de los pianistas que más influyó en su formación. En lugar de recrear el bebop de los años cuarenta, el grupo utiliza las composiciones de Powell como punto de partida para improvisaciones de lenguaje contemporáneo. Junto a clásicos como Bouncing with Bud, Tempus Fugit y Celia, el álbum recupera otras obras menos frecuentadas de su catálogo, revelando la riqueza y vigencia de su música. El resultado es un homenaje respetuoso, pero también creativo, que confirma cómo Chick Corea supo mantener un diálogo permanente entre la tradición y la innovación a lo largo de toda su carrera
El tercer programa especial dedicado a Chick Corea.


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JON IRABAGON FOCUS OUT - Brooklyn, NY, April 30, 2022 - Focus out, Evening star - Dave Ballou (tp) Jon Irabagon (sax) Donny McCaslin, Mark Shim (ts) Matt Mitchell (p) Miles Okazaki (g) Chris Lightcap (b) Dan Weiss (d) Kokayi (vcl)
Jon Irabagon se ha convertido en una de las voces más inquietas del jazz contemporáneo. Saxofonista y compositor nacido en Chicago, su música recoge la tradición experimental de esa ciudad, pero la combina con una amplia variedad de lenguajes y una permanente voluntad de explorar.
“Focus Out” es el tercer disco de un cuarteto formado en 2019, con Matt Mitchell en piano y Fender Rhodes, Chris Lightcap en bajo eléctrico y Dan Weiss en batería. Irabagon, que en los dos trabajos anteriores se concentró en el tenor y el soprano, toca aquí exclusivamente saxo alto.
Las composiciones surgieron durante un período en que Irabagon intentaba conciliar su carrera con las responsabilidades de la paternidad. Son piezas complejas y de gran energía, donde conviven el jazz de vanguardia, el funk y ocasionales ecos del gospel.
En varios temas el cuarteto se amplía con músicos como Dave Ballou, Miles Okazaki, Donny McCaslin y Mark Shim, además del vocalista Kokayi. “Evening Star”, con una nutrida sección de vientos, lleva la música hacia el “free funk”, mientras “Prayer (For Reomi)”, un delicado dúo de saxo y piano dedicado a la hija de Irabagon, ofrece un breve momento de calma.
JASON MORAN SHARDS - Brooklyn, NY, October 19 & 20, 2024 - Shard I, Shard II, And the pieces are falling - Jason Moran (p) Marcus Gilmore (d) BlankFor.ms (electronics,tape loops,processing)
La experimentación ha sido siempre parte del lenguaje del pianista Jason Moran. Ya a comienzos de siglo incorporaba a sus actuaciones grabaciones de voces —informes bursátiles o transmisiones deportivas— y comenzaba a improvisar sobre el ritmo de las palabras, hasta convertirlas en material musical.
Esa misma curiosidad impulsa “Shards”, su nuevo disco, junto al artista electrónico BlankFor.ms —Tyler Gilmore, antiguo alumno de Moran— y el baterista Marcus Gilmore. El trío combina instrumentos acústicos y electrónica, utilizando incluso fragmentos de lo que los músicos acaban de tocar, que son transformados y devueltos a la improvisación.
La colaboración comenzó con “Refract”, publicado en 2023, pero en “Shards” la integración es más natural y la música fluye con mayor libertad. La pieza que da título al álbum aparece en cinco versiones de caracteres muy distintos. En “Shard I”, piano y batería son gradualmente rodeados por loops y sonidos refractados; “Shard II”, en cambio, crea un paisaje austero, casi cinematográfico.
ADAM LANE 4 CORNERS - “Salão Brazil”, Coimbra, Portugal, June 1-3, 2006 - Alfama (for Georges Braque), Spin with the earth - Magnus Broo (tp) Ken Vandermark (bar,cl,b-cl) Adam Lane (b) Paal Nilssen-Love (d)
El contrabajista Adam Lane reunió en “4 Corners” a un cuarteto formidable: Ken Vandermark en saxofones y clarinete, Magnus Broo en trompeta y Paal Nilssen-Love en batería. Grabado en vivo durante un festival en Coimbra, Portugal.
La música se mueve en el terreno del “free bop”, pero sus raíces son amplias. Hay ecos del rhythm and blues, de Mingus y de Ornette Coleman, junto a una energía que por momentos se acerca al rock y al funk. Lane sostiene al grupo con un contrabajo poderoso, en ocasiones procesado electrónicamente, mientras Nilssen-Love impulsa la música con su habitual intensidad.
El diálogo entre Vandermark y Magnus Broo domina buena parte del primer plano. Las composiciones de Lane y Vandermark, conservan estructuras abiertas y amplios espacios para la improvisación, pero sin abandonar la melodía.
“4 Corners” no intenta recrear el jazz de los años sesenta aunque se nutre de él como punto de partida para una música contemporánea, directa y de enorme energía, típica de una actuación en vivo.


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JACKIE MCLEAN LET FREEDOM RING - Englewood Cliffs, NJ, March 19, 1962 - I’ll keep loving you, Rene - Jackie McLean (as) Walter Davis, Jr. (p) Herbie Lewis (b) Billy Higgins (d)
Jackie McLean comenzó a tocar el saxo alto a los quince años y su aprendizaje fue vertiginoso. Estudió con Bud Powell, tocó con Thelonious Monk y Charlie Parker y, antes de cumplir veinte años, ya trabajaba con Miles Davis en Birdland. Después vendrían Charles Mingus y los Jazz Messengers de Art Blakey, antes de consolidarse como una de las voces más personales y reconocibles del saxo alto.
En 1962, McLean grabó “Let Freedom Ring”, un disco decisivo en su carrera y también en la evolución de Blue Note. Sin abandonar las estructuras del hard bop, comenzaba a incorporar algunas de las libertades que proponía la nueva vanguardia, especialmente la música de Ornette Coleman. Pero McLean no intentaba imitar a nadie. Su sonido seguía siendo inconfundible: áspero, incisivo y cargado de tensión, llevado aquí hasta esos gritos agudos y penetrantes.
La importancia de “Let Freedom Ring” es que McLean demostró que era posible asimilar las ideas del jazz de vanguardia sin renunciar al lenguaje que había definido su música. Un puente entre el hard bop y el jazz moderno que comenzaba a transformar la década de los sesenta.
ALLISON/CARDENAS/NASH TRIOLOGICAL - Maggies Farm, PA, June 28 & 29, 2025 - Puddle jumper, Burnt toast & avocado, Milton, Ida’s spoons - Ted Nash (ts) Steve Cardenas (g) Ben Allison (b)
Los tríos sin batería tienen una larga historia en el jazz y, en las manos adecuadas y, en las manos adecuadas, no han perdido su capacidad de sorprender. Es el caso del trío formado por el contrabajista Ben Allison, el guitarrista Steve Cardenas y el saxofonista Ted Nash, tres músicos de amplia experiencia que llevan varios discos trabajando juntos.
En “Triological”, el trío abandona el repertorio de compositores ajenos, como en sus grabaciones anteriores y se concentra en música original de ellos. La ausencia de batería no significa falta de impulso rítmico: el movimiento surge de la interacción entre el contrabajo de Allison, la guitarra de Cardenas y los distintos instrumentos de viento de Nash.
Es difícil no recordar los históricos tríos de Jimmy Giuffre, especialmente el que formó con Jim Hall y Ralph Peña. Hay aquí una similar libertad para cambiar de dirección, dejar espacios y permitir que cada músico conserve su propia voz dentro del conjunto.
ROY HAYNES QUARTET CYMBALISM - Englewood Cliffs, NJ, September 10, 1963 - Modette, I’m getting sentimental over you, Go ‘n’ git it - Frank Strozier (as,fl) Ronnie Mathews (p) Larry Ridley (b) Roy Haynes (d)
A lo largo de una carrera que se extendió por más de siete décadas, Roy Haynes tocó con algunas de las grandes figuras del jazz, desde Charlie Parker y Lester Young hasta John Coltrane y Chick Corea. Pero sus grabaciones como líder permiten apreciar con mayor claridad una de las voces más originales de la batería moderna.
En 1963 grabó “Cymbalism” acompañado por Frank Strozier en saxo alto y flauta, Ronnie Mathews en piano y Larry Ridley en contrabajo. La sesión, registrada por Rudy Van Gelder, se mueve entre el hard bop y un lenguaje post-bop más abierto, con ocasionales elementos de soul jazz.
El título del disco juega, naturalmente, con la palabra “symbolism” y la extraordinaria manera en que Haynes utilizaba los platillos o Cymbals en Inglés. Roy nunca se limitó a marcar el tiempo: introducía acentos inesperados, desplazaba el pulso y empleaba los platillos casi como colores dentro de la música.
Strozier, Mathews y Ridley responden con la misma agilidad. “Cymbalism” es un excelente ejemplo de la elegancia rítmica de Roy Haynes y de esa capacidad suya para impulsar a un grupo sin dominarlo.


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THE PHOENIX TRIO TOMORROW IS TODAY - Ornithology, Brooklyn, NY, March 23 & 24, 2025 - The fencer, 1946 -Mark Turner (ts) Joe Martin (b) Marcus Gilmore (d)
The Phoenix Trio es un nuevo grupo integrado por el saxofonista tenor Mark Turner, el contrabajista Joe Martin y el baterista Marcus Gilmore. Su primer disco, Tomorrow Is Today, fue grabado en vivo en el club Ornithology de Brooklyn, en marzo del 2025.
Aunque el trío es nuevo, sus integrantes se conocen bien y han coincidido en distintos proyectos a lo largo de los años. Esa familiaridad se percibe en una música que fluye como una conversación. Los ensayos fueron mínimos y las discusiones se limitaron prácticamente a la forma y al desarrollo de las piezas.
La ausencia de piano deja amplios espacios y una gran libertad de movimiento. Muchos temas parten de breves motivos repetidos por Martin, que establecen el pulso mientras Gilmore agrega sutiles acentos rítmicos. Cuando entra Turner, con sus largas y ondulantes líneas melódicas, el contrabajo responde con contrapuntos, creando melodías paralelas. Gilmore completa ese diálogo con una batería extraordinariamente ligera. El resultado es un trío abierto, atento y profundamente interactivo.
TOMMY FLANAGAN TRIO THE TOKYO RECITAL - Tokyo, Japan, February 15, 1975 - All day long, U.M.M.G. [Upper Manhattan Medical Group, Caravan - Tommy Flanagan (p) Keter Betts (b) Bobby Durham (d)
Tommy Flanagan fue uno de los grandes pianistas surgidos de la fértil escena de Detroit durante los años cincuenta. Después de trasladarse a Nueva York en 1956, grabó con frecuencia como líder y acompañante, estableciendo rápidamente una sólida reputación entre sus colegas.
Sin embargo, sus dos largas etapas como pianista de Ella Fitzgerald, entre 1963 y 1965 y nuevamente desde 1968 hasta 1978, contribuyeron paradójicamente a que su talento fuera subestimado. Durante doce años, entre 1962 y 1974, Flanagan no tuvo la oportunidad de grabar un disco a su nombre y fue conocido principalmente como un acompañante excepcional.
The Tokyo Recital, de 1975, demuestra que aquellos años trabajando al servicio de otros músicos no habían disminuido en absoluto sus cualidades como solista. Acompañado por el contrabajista Keter Betts y el baterista Bobby Durham, Flanagan dedica el programa a composiciones asociadas con Duke Ellington y Billy Strayhorn.
Su interpretación es elegante y precisa, pero nunca distante. Con un toque ligero, un impecable sentido del tiempo y una profunda comprensión de las melodías, Flanagan confirma aquí lo que durante demasiado tiempo había quedado en segundo plano: era uno de los grandes pianistas de su generación.
ALVIN QUEEN JAMMIN’ UPTOWN - White Plains, NY, August 24 & 25, 1985 - Europia, Jammin’ Uptown, After Liberation - Terence Blanchard (tp) Robin Eubanks (tb) Manny Boyd (ts,as,sop) John Hicks (p) Ray Drummond (b) Alvin Queen (d)
El baterista Alvin Queen conoció el jazz desde muy joven. Los sábados, su padre lo llevaba al Apollo Theater donde escuchó a figuras como John Coltrane, el quinteto de Cannonball Adderley con Nancy Wilson y la cantante Ruth Brown, quien años más tarde le daría uno de sus primeros trabajos profesionales.
En 1969, Queen se incorporó al quinteto de Horace Silver y continuó tocando ocasionalmente con el pianista durante varios años. También trabajó con George Benson y Charles Tolliver, entre muchos otros, antes de radicarse en Europa durante los años ochenta.
En Jammin’ Uptown, grabado en Nueva York en 1985, lidera un sexteto. A pesar de su título, no se trata simplemente de una jam session. La música está cuidadosamente organizada y cuenta con excelentes arreglos, aunque abre mucho espacio para la improvisación.
Queen mantiene la música en constante movimiento con su estilo preciso y enérgico, pero curiosamente casi no toca solos. El sexteto incluye además a dos jóvenes músicos que comenzaban a destacarse en los años ochenta: el trompetista Terence Blanchard y el trombonista Robin Eubanks. En sus intervenciones ya se anticipa la importancia que ambos alcanzarían en el jazz contemporáneo.


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COUNT BASIE AND HIS ORCHESTRA
- New York, August 22, 1938 - Jumpin’ at the Woodside, Stop beatin’ ‘round the mulberry bush (jr,ens vcl), Texas shuffle - Ed Lewis, Harry “Sweets” Edison, Buck Clayton (tp) Benny Morton, Dicky Wells, Dan Minor (tb) Earl Warren (as) Jack Washington (as,bar) Herschel Evans, Lester Young (ts,cl) Count Basie (p) Freddie Green (g) Walter Page (b) Jo Jones (d) Helen Humes, Jimmy Rushing (vcl) Eddie Durham (arr)
- Panther Room”, Hotel Sherman, Chicago, IL, May 19, 1939 Every tub, Lady be good Ed Lewis, Shad Collins, Harry “Sweets” Edison, Buck Clayton (tp) Benny Morton, Dicky Wells, Dan Minor (tb) Earl Warren (as) Jack Washington (as,bar) Buddy Tate, Lester Young (ts,cl) Count Basie (p) Freddie Green (g) Walter Page (b) Jo Jones (d) Jimmy Rushing (vcl) Eddie Durham (arr)
A mediados de los años treinta, la orquesta de Count Basie definía el sonido de Kansas City: una sección rítmica ligera y flexible, riffs, arreglos abiertos y amplio espacio para la improvisación. Una música construida con aparente sencillez, pero impulsada por un swing irresistible, como se escucha claramente en “Jumpin’ at the Woodside”.
El tema fue grabado por la orquesta de Count Basie para Decca en 1938. Su título proviene del Woodside Hotel de Harlem, donde los músicos de Basie se alojaban y ensayaban, a menudo en el sótano.
La grabación incluye solos de Earle Warren en saxo alto, Basie al piano, Buck Clayton en trompeta con sordina y Lester Young, cuyo fraseo relajado en el tenor parece flotar sobre la orquesta.
La pieza es, además, un ejemplo clásico de los llamados head arrangements de la banda de Basie. En lugar de arreglos escritos, los músicos construían la música colectivamente durante los ensayos: cortas frases de los saxofones eran respondidas por los metales; las figuras se repetían, se modificaban y finalmente quedaban en la memoria de la orquesta. El arreglo estaba, literalmente, en la cabeza de los músicos.
En poco más de tres minutos, “Jumpin’ at the Woodside” resume la esencia de la primera gran banda de Basie: ideas sencillas, desarrolladas colectivamente, y un swing increíble.
TEDDY WILSON TRIO THE IMPECCABLE MR. WILSON - New York, September 13, 1956 - I want to be happy, Ain’t misbehavin’, Honeysuckle rose, Fine and dandy, Sweet Lorraine, Laura - Teddy Wilson (p) Al Lucas (b) Jo Jones (d)
Teddy Wilson fue uno de los pianistas más elegantes de la era del swing. Influido por Earl Hines y Art Tatum, desarrolló un estilo de toque delicado, preciso y virtuoso, presente en grabaciones junto a figuras como Louis Armstrong, Benny Goodman, Billie Holiday y Ella Fitzgerald. Su trabajo con Goodman lo convirtió, además, en uno de los primeros músicos negros en ocupar un lugar destacado en un conjunto integrado.
En la sesión del 13 de septiembre de 1956, Wilson encabeza un trío con el contrabajista Al Lucas y el baterista Jo Jones. El repertorio son canciones especialmente apropiadas para el álbum titulado The Impeccable Mr. Wilson : melodías elegantes con progresiones armónicas ordenadas.
“I Want to Be Happy” recibe aquí una interpretación particularmente fluida. Lucas, veterano de la banda de Illinois Jacquet y de la escena de la Calle 52, aporta un pulso preciso, buen gusto y un impecable sentido del tiempo, junto a Jo Jones forman una sección rítmica de extraordinaria ligereza y swing.
ALBERT NICHOLAS QUARTET THE NEW ORLEANS-CHICAGO CONNECTION - Chicago, July 19, 1959 - Song Of The Wanderer, Anah’s blues, Etta, I’m coming, Virginia, Blues My Naughty Sweetie Gives To Me - Albert Nicholas (cl) Art Hodes (p) Earl Murphy (b) Freddie Kohlman (d)
El clarinetista Albert Nicholas perteneció a la primera generación del jazz de Nueva Orleans. Discípulo de Lorenzo Tio, inició tocando con músicos como Buddy Petit, King Oliver y Manuel Perez, y más tarde en Nueva York se integró a la orquesta de Luis Russell, junto a Henry “Red” Allen, Charlie Holmes y J.C. Higginbotham. También trabajó con Chick Webb, Louis Armstrong y Jelly Roll Morton.
El renacimiento del jazz tradicional a fines de los años cuarenta dio nuevo impulso a su carrera, pero en 1953 Nicholas siguió un camino similar al de Sidney Bechet y se radicó en Francia. Allí encontró un público más receptivo a la música de Nueva Orleans y permaneció en Europa hasta su muerte, en 1973.
En 1959, en una de sus infrecuentes visitas a a Estados Unidos, Nicholas se reunió con el pianista Art Hodes, el contrabajista Earl Murphy y el baterista Freddie Kohlman para una sesión dedicada a standards y blues y grabaron “The New Orleans-Chicago Connection”, un disco sin complicaciones ni pretensiones renovadoras. El cuarteto vuelve a la esencia del jazz tradicional: melodía, improvisación colectiva y swing, encabezados por el sonido cálido y lírico del clarinete de Nicholas.


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