PuroJazz

VALERY PONOMAREV BEYOND THE OBVIOUS - New York, September 22, 2005 - You dig, I hear you, you know what I mean, etc. (db out), The blessing - Valery Ponomarev (tp) Don Braden (ts) Martin Zenker (b) Jerome Jennings (d)
Beyond The Obvious mas alla de lo obvio es un disco liderado por el trompetista ruso Valery Ponomarev, ex integrante de los Jazz Messengers, es un cuarteto sin piano, con dos vientos —él en trompeta y Don Braden en tenor— apoyados por Martin Zenker en contrabajo y Jerome Jennings en batería.
El repertorio mezcla estándares con composiciones propias. Una de ellas, “Love On Sale”, se basa en “Love for Sale” de Cole Porter. El tema de apertura, “You Dig”, se grabó sin Braden, que estaba atascado en el tráfico de Nueva York.
En los estándares Ponomarev juega con los arreglos, buscando ángulos distintos sin perder la esencia. También hay un momento especial en “The Blessing” de Ornette Coleman, con una versión intensa y muy cuidada.
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KEN PEPLOWSKI LIVE “MEZZROW JAZZ CLUB”, New York, February 5, 2023 - Vignette, Prisoner of love, Bright Missisippi, Here’s to life, Who knows - Ken Peplowski (cl,ts) Ted Rosenthal (p) Martin Wind (b) Willie Jones, III (d)
El clarinetista Ken Peplowski tenía un sonido cálido y soltura en un instrumento difícil. Sus primeros pasos escuchando a Benny Goodman ayudaron a perfilarlo como un músico que conecta el swing clásico con una mirada más abierta y actual del jazz.
Su primer clarinete fue uno heredado de su padre, cuando tenía unos ocho años y a los veinte, tocó en la orquesta de Tommy Dorsey y más tarde en la última big band de Goodman, experiencias que marcaron su desarrollo.
En Live at Mezzrow, Peplowski se mueve entre clásicos y piezas menos conocidas, siempre con buen gusto y personalidad. Es interesante cómo dialoga con el pianista Ted Rosenthal, dejando que las melodías respiren y se transformen sobre la marcha.
La base rítmica —Willie Jones III en batería y Martin Wind en contrabajo— acompaña con soltura y musicalidad. El resultado es un concierto vivo, fluido, donde la interacción lo es todo.
TAD SHULL IN THE LAND OF THE TENOR - New York, December 17, 1991 - Night horse, Pick yourself up, Nobody else but me - Tad Shull (ts) Mike LeDonne (p) Dennis Irwin (b) Kenny Washington (d)
El saxofonista tenor Tad Shull combina en su estilo un sonido amplio y lleno —heredero de los grandes tenores clásicos— con una mirada armónica más arriesgada, cercana al hard bop y sus extensiones.
Se formó con David Liebman y Joseph Allard, y pronto empezó a moverse en distintas agrupaciones, como la Widespread Depression Jazz Orchestra y el Smithsonian Jazz Repertory Ensemble. Con el tiempo, fue consolidando sus propios cuartetos, donde su forma de tocar y escribir se escucha con más claridad. A lo largo de su carrera ha compartido escenario con figuras como Cab Calloway, Roy Eldridge, Dizzy Gillespie y Woody Herman, lo que habla de su versatilidad y oficio.
Entre sus trabajos como líder destaca In the Land of the Tenor, en la tierra del tenor, un disco que refleja bien su afinidad con la tradición y, al mismo tiempo, su interés por empujarla un poco más allá.
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BILLY DRUMMOND QUINTET NATIVE COLOURS - Englewood Cliffs, N.J., March 15, 1991 - 8/4 beat, Native colours, Ruby my dear - Steve Wilson (as,sop) Steve Nelson (vib) Renee Rosnes (p) Ray Drummond (b) Billy Drummond (d)
El baterista Billy Drummond, destacado por la revista *DownBeat* como uno de los líderes más interesantes de su generación, ha construido una carrera sólida tanto como sideman —con más de 350 grabaciones— como al frente de sus propios proyectos. Formado junto a figuras como Horace Silver, Joe Henderson, Bobby Hutcherson y Sonny Rollins, su estilo combina energía, precisión y gran musicalidad.
En Native Colours, su álbum debut como líder, Drummond reúne un quinteto de alto nivel y un repertorio que mezcla originales de la pianista Renée Rosnes, estándares y clásicos del jazz, ofreciendo un equilibrio atractivo entre tradición y novedades.
Drummond muestra su versatilidad en formatos variados, incluyendo tríos sin instrumento armónico en piezas de Thelonious Monk y Ornette Coleman. Rosnes, por su parte, destaca con solos elegantes y composiciones como “Lexicon”. El resultado es un debut sólido que confirmó a Drummond como un músico clave de su generación.
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AARON DIEHL THE VAGABOND - New York, February 4 & 6, 2019 - The Vagabond, March from ten pieces for piano, Piano etude no 16 - Aaron Diehl (p) Paul Sikivie (b) Gregory Hutchinson (d)
Aunque “The Vagabond” es, en esencia, un disco de jazz que mira a la tradición —con ecos de pianistas como Art Tatum, Mary Lou Williams y Ahmad Jamal, —, también deja claro que la música clásica forma parte del lenguaje de Aaron Diehl.
En este álbum, el pianista se mueve con soltura entre ambos mundos. Junto a un trío explora puntos en común entre compositores como Philip Glass y George Gershwin, encontrando afinidades rítmicas y armónicas que encajan de manera fluida en el contexto del jazz.
El repertorio incluye, además, versiones de “March” de las 10 piezas para Piano, Op. 12* de Prokofiev y el “Piano Etude No. 16” de Glass, piezas que refuerzan esa conexión.
TERELL STAFFORD BROTHERLEE LOVE: CELEBRATING LEE MORGAN - Brooklyn, NY, May 19, 2014 - Candy (tw out), Favor - Terell Stafford (tp,comp) Tim Warfield (ts) Bruce Barth (p) Peter Washington (b) Dana Hall (d)
“BrotherLee Love” encuentra al trompetista Terell Stafford rindiendo homenaje a Lee Morgan, no solo como ícono del hard bop, sino también como compositor, un aspecto a veces menos valorado, el disco pone el foco en ese repertorio: siete de los nueve temas son de Morgan.
Stafford y el saxofonista Tim Warfield se entienden muy bien.
Stafford no imita sino que recoge la energía de Morgan, pero con un sonido propio, más cálido y abierto. Se luce especialmente en “Candy”, donde usa sordina, y en “Favor”, su única composición en el disco, con un aire relajado y un toque bluesero.
Es un tributo sin vueltas: directo, bien tocado y con espíritu de banda. Justo lo que Morgan hacía.


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THE DAVE BRUBECK QUARTET W/BILL SMITH BRUBECK A LA MODE - New York, May-June, 1960 - Dorian dance, Invention, Lydian dance, Frisco fog - Bill Smith (cl) Dave Brubeck (p) Eugene Wright (b) Joe Morello (d)
Brubeck à la mode es un disco del cuarteto de Dave Brubeck pero con el clarinetista Bill Smith en el instrumento principal. Smith, un amigo suyo desde los años de universidad y parte del grupo original conocido como The Brubeck Octet a fines de los 40, era un gran técnico del clarinete, pero también un innovador, que experimentó con recursos poco comunes como el uso de computadores y sordinas.
Este es el segundo de tres que Brubeck grabó con Smith. La base rítmica de siempre —Joe Morello y Eugene Wright— mantiene todo en movimiento, con ese pulso tan característico del cuarteto. Los temas son composiciones de Smith, y queda la curiosidad de imaginar qué habría hecho Paul Desmond con este material modal, construido a partir de una sola escala. Por su parte, Brubeck cambia bastante de un tema a otro, ajustando su forma de tocar al estilo y las ideas de Smith.
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VICTOR FELDMAN THE ARRIVAL OF VICTOR FELDMAN - Los Angeles, January 21 & 22, 1958 - Serpent’s tooth, Waltz, S’posin’, Be-bop - Victor Feldman (vib,p) Scott LaFaro (b) Stan Levey (d)
Victor Feldman fue un niño prodigio que ya trabajaba como músico profesional desde los siete años. Nació en Inglaterra, estuvo muy activo durante la era del bebop, sobre todo como baterista, y debutó como líder en 1948. A comienzos de los 50 empezó a destacar cada vez más en el vibráfono.
Después de salir de gira con la banda de Woody Herman entre 1956 y 1957, decidió mudarse a Estados Unidos. Ya instalado en la Costa Oeste, tocó en el Lighthouse junto a Howard Rumsey. Entre 1957 y 1961 grabó tanto en vibráfono como en piano para varios sellos y se convirtió en un músico de estudio muy solicitado. También pasó por el quinteto de Cannonball Adderley, principalmente como pianista, y en 1963 grabó con Miles Davis, quien incluso le ofreció sumarse a su nuevo grupo (incluso registró su tema “Seven Steps to Heaven” con Miles). Aun así, Feldman prefirió quedarse en Los Ángeles, enfocado en el trabajo de estudio.
En *The Arrival of Victor Feldman*, su segundo disco en EE.UU., lo acompañan el gran contrabajista Scott LaFaro y el baterista Stan Levey. Su repertorio be bop como muestra a un Feldman todavía en pleno desarrollo, pero ya con mucho que decir. La Faro, como siempre, no deja de sorprender.
LEE KONITZ WITH THE GERRY MULLIGAN QUARTET:
- The Haigh, Los Angeles, late January 1953 - Too marvellous for words, Sextet, Broadway, These foolish things - Chet Baker (tp) Lee Konitz (as) Gerry Mulligan (bar) Carson Smith (b) Larry Bunker (d)
- Phil Turetsky’s House, Los Angeles, late January o February 1, 1953 - Lady be good, I can’t believe that you’re in love with me - Chet Baker (tp) Lee Konitz (as) Gerry Mulligan (bar) Joe Mondragon (b) Larry Bunker (d)
Lee Konitz Plays with the Gerry Mulligan Quartet
Cuando apareció por primera vez en 1952, el cuarteto de Gerry Mulligan —saxofón barítono, trompeta, contrabajo y batería— introdujo una idea poco habitual en el jazz de posguerra: un grupo sin instrumento armónico. En una época en que el piano o la guitarra parecían indispensables, este ensamble prescindía de ellos.
A comienzos de 1953, Mulligan invitó a Lee Konitz, entonces un músico poco conocido de la orquesta de Stan Kenton. Con Carson Smith o Joe Mondragon en contrabajo y Larry Bunker en batería, registraron diez temas: cinco en vivo en el club The Haig el 25 de enero, y otros pocos días después en el estudio casero de Phil Turetsky.
Más que “cool jazz”, este cuarteto desarrolló un lenguaje propio. La ausencia de piano abría el espacio y favorecía un diálogo en contrapunto entre Mulligan y Chet Baker. Aquí la interacción pesa tanto como los solos, y la incorporación de Konitz aporta una voz nítida que refuerza ese delicado equilibrio.


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GREGORY HUTCHINSON KIND OF NOW – THE PULSE OF MILES DAVIS - Lanzamiento 3 de abril, 2026 - AhLeuCha, FranDance, Seven Steps To Heaven, Circle In The Round - Ambrose Akinmusire (t) Ron Blake (st/bcl) Gerald Clayton (p) Jakob Bro & Emmanuel Michael (g) Joe Sanders (b) Gregory Hutchinson (dr).
Con motivo del centenario de Miles Davis, el baterista Gregory Hutchinson lanzó el 3 de abril Kind Of Now, The Pulse of Miles Davis. Hutchinson, a quien Jazz Magazine definió como “el baterista de su generación”, se mueve con soltura entre el respeto por los grandes bateristas que tocaron con Davis y una voz propia bien definida.
A lo largo de varias décadas, Miles Davis estuvo siempre al frente de distintos momentos clave del jazz—del bebop al hard bop, pasando por el modal, el post bop y la fusión. Parte de su genio como líder fue saber armar y transformar sus grupos según lo que la música pedía en cada etapa.
Para este proyecto, Hutchinson reunió un conjunto de primer nivel que recorre distintas facetas de ese legado: cuenta con la participación del notable Ambrose Akinmusire, una elección muy natural para asumir el rol de trompeta que marcó Miles, Ron Blake en saxo tenor y clarinete bajo, Jakob Bro y Emmanuel Michael en guitarras, Gerald Clayton en piano, Joe Sanders en contrabajo, y el propio Hutchinson en batería.
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DAYNA STEPHENS HOPIUM - Brooklyn, NY., 2024 - Jump start, Trust, Hopium - Dayna Stephens (as,ts) Aaron Parks (p) Charles Altura (g-1) Ben Street (b) Greg Hutchinson (d)
El saxofonista Dayna Stephens lleva tiempo dándole vueltas a una especie de contradicción que aparece tanto en lo personal como en lo social. De ahí surge Hopium, un disco que se mete de lleno en ese tira y afloja entre la esperanza de que las cosas mejoren y la duda de que eso realmente vaya a pasar. Es una tensión bastante reconocible.
El grupo que lo acompaña tiene aire de reencuentro: Aaron Parks en el piano, Ben Street en el contrabajo y Greg Hutchinson en la batería. Ya habían tocado juntos antes, es el mismo grupo de su aclamado álbum de 2021, Right Now!, y eso se nota. Hay confianza, las cosas fluyen sin forzar, y la música respira de manera natural. Más que una suma de grandes músicos, suena como un grupo que realmente se entiende.
El álbum incluye siete temas originales. Todos son de Stephens, salvo el sexto, que está firmado por Parks.
HARISH RAGHAVAN CALLS FOR ACTION - Brooklyn, NY, December 15-17, 2018 - Newe, Los Angeles, Sangeet, Lunatico - Immanuel Wilkins (as) Joel Ross (vib) Micah Thomas (p) Harish Raghavan (b) Kweku Sumbry (d)
El contrabajista Harish Raghavan debuta como líder con Calls for Action, un disco que muestra el jazz como un lenguaje vivo, siempre en movimiento.
Instalado en New York desde 2007, ha trabajado con músicos como Ambrose Akinmusire, Vijay Iyer y Charles Lloyd. Aquí se rodea de una generación más joven pero muy sólida: Immanuel Wilkins, Micah Thomas, Joel Ross y Kweku Sumbry.
El grupo nació de forma bastante natural, a partir de un proyecto de Ross, y terminó de afirmarse tras un tiempo tocando juntos. Esa química se nota en estas composiciones originales, muchas surgidas de ideas e improvisaciones del propio Raghavan que luego crecieron en formato de quinteto.
El título apunta a ese impulso de cambio: una especie de llamado a moverse, a transformar la música desde dentro. El disco, en esa línea, busca capturar la energía directa de la banda tocando en vivo, con cambios de clima y momentos de gran intensidad.
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MONIKA HERZIG “TRANSPARENT” - Lanzamiento Marzo 6, 2026 - Look out, Please forget, Invincible - Tom Clark y Joe Donnelly (st y fl) Ted Nash (saxos) Monika Herzig (p/tecl) Peter Kienle (g/bnj) Jeremy Allen (b) Karina Colis (dr)
El álbum “Transparent” se plantea como un retrato familiar sonoro: una exploración íntima de lo que implica acompañar a un joven en un proceso de transición de género. Para darle forma, Herzig reunió a un grupo cercano de colaboradores, entre ellos su esposo y también padre trans, el guitarrista Peter Kienle, con la idea de abrir espacios de escucha, diálogo y empatía.
Como punto de partida, organizó encuentros con otros padres de personas trans que atravesaban situaciones similares. En esas conversaciones surgieron relatos sobre transformación, construcción de identidad, prejuicio social, conflicto y también redes de apoyo. Nada quedó fuera. “Lo trans es parte de la naturaleza —como una variación en los cromosomas de género—”, reflexiona Herzig. “Tenemos que apoyar a cada persona para que pueda ser quien es, de la forma más auténtica posible”.
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HANK ROBERTS CONGERIES OF ETHEREAL PHENOMENA - New York, 2018 - Welcome, Necklace, Evidence, Cayuga - Jacob Sacks (p) Hank Roberts (cello) Vinnie Sperrazza (d)
El violonchelista Hank Roberts es una figura clave del jazz creativo, reconocido por llevar su instrumento a territorios poco convencionales dentro del avant-garde. Nacido en 1955 en Indiana, comenzó con formación clásica, pero desde joven amplió su interés a otros instrumentos y estilos.
Su paso por Berklee, a los 19 años, fue decisivo para desarrollar un lenguaje propio que combina jazz, blues, folk y música clásica, con un uso característico de dobles cuerdas es decir tocar dos notas al mismo y y acordes, tres o más notas simultáneas. No fue hasta los años 80 que se instaló en Nueva York, donde rápidamente se integró a la escena downtown, colaborando con músicos como Bill Frisell y Tim Berne, quienes participan en su debut como líder, *Black Pastels* (1987).
Desde entonces, Roberts ha mantenido una carrera consistente, alternando proyectos personales y colaboraciones, siempre con un enfoque abierto y exploratorio que lo distingue dentro del jazz contemporáneo.
VIJAY IYER BLOOD SUTRA - New York, February 21, 2003 - Brute facts, Ascent, Stigmatism, Because of guns (Hey Joe redux) - Rudresh Mahanthappa (as) Vijay Iyer (p) Stephan Crump (b) Tyshawn Sorey (d)
*Blood Sutra*, el impactante trabajo de 2003 del pinista Vijay Iyer que siguió a *Panoptic Modes*, —incluida una mención de *JazzTimes*— entre los mejores discos del año. Más que una simple continuación, el álbum consolida una de las asociaciones más fértiles del jazz reciente: el diálogo entre Iyer y el saxofonista Rudresh Mahanthappa.
El cuarteto lo completan el contrabajista Stefan Crump, colaborador habitual de Iyer, y marca además el debut discográfico del baterista Tyshawn Sorey. Aunque entonces llevaba poco tiempo en la escena, Sorey ya mostraba un estilo singular: potente pero preciso, siempre en movimiento, lleno de texturas cambiantes que ampliaban el lenguaje de la batería en el jazz contemporáneo.
Con excepción de “Because of Guns (Hey Joe Redux)”, que alude a la canción de Jimmi Hendrix, todas las composiciones son de Iyer. El resultado es un disco intenso y abierto, que funciona casi como una señal de rumbo para el jazz del siglo XXI.
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