PuroJazz

Este será el quinto y último programa dedicado a Sonny Rollins con actuaciones en vivo más recientes que suelen superar en intensidad y creatividad a sus grabaciones de estudio.
SONNY ROLLINS - WITHOUT A SONG (THE 9/11 CONCERT) - Berklee Performance Center, Boston, MA, September 15, 2001 - Without a song, Global warming - Clifton Anderson (tb) Sonny Rollins (ts) Stephen Scott (p,kalimba1) Bob Cranshaw (elb) Perry Wilson (d) Kimati Dinizulu (cga,perc)
El martes 11 de septiembre, Sonny se encontraba en su departamento a seis cuadras del World Trade Center, las torres gemelas- donde quedó atrapado hasta la noche siguiente, cuando efectivos de la Guardia Nacional llegaron para evacuarlo.
Rollins tenía programado desde mucho antes un concierto en Boston para el 15 de septiembre, y decidió que no lo cancelaría y debía continuar. “Era lo mejor que podíamos hacer”, dijo Sonny, “y además, para algunas personas fue beneficioso escucharnos tocar justo después de lo ocurrido”.
Aquella noche ofreció una de las interpretaciones más inspiradas de su carrera: sabía que debía hacerlo. La grabación del concierto se publicaría posteriormente bajo el título “Without a Song: The 9/11 Concert”.
SONNY ROLLINS ROAD SHOWS, VOL. 2 - Beacon Theatre, New York, September 10, 2010 - Sonnymoon For Two, St Thomas - Ornette Coleman (as) Sonny Rollins (ts) Christian McBride (b) Roy Haynes (d) Bob Cranshaw (b) Kobie Watkins (d) Sammy Figueroa (perc)
Carl Smith, un fanático seguido de Rollins, comenzó a grabar sus conciertos subrepticiamente. Diseñó un ingenioso sistema con diminutos micrófonos ocultos y un pequeño grabador DAT. Compraba entradas en segunda fila él y sus amigos y les pedía que no aplaudieran, de esta manera los micrófonos captaran el sonido directo de los instrumentos y no el de la amplificación de la sala.
Irónicamente, el mayor obstáculo para su iniciativa fue Lucille Rollins, su esposa y representante. Cuando descubrió las grabaciones, reaccionó con ira y advirtió a Smith si volvía a intentarlo sería expulsado.
Sin embargo, tiempo después de la muerte de Lucille, Rollins revisó el archivo reunido por Smith y decidió trabajar con ese material. De ese proceso surgió la serie Road Shows, una colección de grabaciones en vivo inéditas publicadas por Doxy Records, el sello creado por el propio Rollins. Para mantener el proyecto activo, Rollins decidió incorporar al ingeniero de sonido Richard Corsello a sus giras; su tarea consistía en revisar meses de conciertos y seleccionar las interpretaciones más logradas, que son además las grabaciones que usé para todo este programa.
El 10 de septiembre de 2010, Sonny Rollins celebró su 80 cumpleaños con un concierto histórico en el Beacon Theatre de Manhattan. Durante casi dos horas, acompañado por Bob Cranshaw, Russell Malone, Kobie Watkins y Sammy Figueroa, Rollins desplegó un sonido pleno y sin restricciones, demostrando que su genio estaba intacto.
El concierto fue una actuación de dos horas en el Beacon Theatre del Upper West Side de Manhattan, que eclipsó sus propias considerables expectativas. La celebración del 80° cumpleaños de Rollins en el Beacon fue el evento jazzístico del año.
Los músicos en escena.
Durante gran parte de la noche, Rollins actuó con un ensamble que incluía a Bob Cranshaw (bajo), Russell Malone (guitarra), Kobie Watkins (batería) y Sammy Figueroa (percusión). El guitarrista Jim Hall. Roy Hargrove añadió trompeta en varios momentos, y todos estos músicos convergieron en el escenario para el encore con la composición más conocida de Rollins, “St. Thomas”.
Sin duda, el punto culminante de la noche fue una sorpresa mayúscula. Rollins no supo si Coleman iba a actuar en el Beacon hasta el último momento, por lo que no hubo ensayo previo. Él lo introdujo en mitad de una ya apasionante interpretación del blues “Sonnymoon for Two”, con Roy Haynes y Christian McBride.
Ornette Coleman salió al escenario y el lugar enloqueció: todos de pie, gritando y aclamando. Coleman soloist, luego él y Sonny intercambiaron frases, lo que llevó a Rollins a un lugar más libre que en cualquier otro momento del espectáculo.
Ese momento fue también la primera colaboración en vivo de Sonny y Ornette Coleman, quienes eran mutuos admiradores e influencias recíprocas. No solo Sonny no sabía que Ornette saldría hasta que lo hizo — fue un instante de comunión espiritual entre dos gigantes de la improvisación.
“Sonnymoon for Two” — la pieza central
La pieza, de casi 22 minutos, fue el centro del concierto: no tanto un duelo como una inspirada conversación paralela entre dos de los saxofonistas más influyentes del jazz. Rollins la eligió pensando en Coleman, pues “el blues sería lo suficientemente abierto para que Ornette hiciera lo que quisiera”.
Sonny Rollins permaneció en el escenario durante casi dos horas a los ochenta años. Su sonido fue impresionante, pleno y sin restricciones. Un asistente comentó que tocó casi dos horas sin parar, con el saxofón fuera de su boca apenas diez minutos en total.
El legado del concierto
El concierto fue filmado por Dick Fontaine para el documental Sonny Rollins: Beyond the Notes, y la actuación completa de “Sonnymoon for Two” fue publicada en el álbum Road Shows, Vol. 2.
En resumen, fue una noche irrepetible: dos leyendas octogenarias del jazz tocando juntas en público por primera y única vez, rodeadas de algunos de los mejores músicos del género. Una velada que quedó grabada en la historia del jazz.​​​​​​​​​​​​​​​​




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JON IRABAGON / PETER BRENDLER TWO-PART INVENTIONS - Brooklyn, NY, August 8, 2024 - Turn out the stars, Joshua, Maiden voyage - Jon Irabagon (ts) Peter Brendler (b)
TwoPart Inventions es un álbum surge como un residuo de la pandemia. Durante ese período, el contrabajista Peter Brendler intensificó su práctica, en gran medida como una forma de mantener el equilibrio personal. Se dedicó de lleno a la música e intentó recrear en su casa lo que más extrañaba: la interacción con otros intérpretes. Esa ausencia lo llevó a explorar la ejecución simultánea de múltiples líneas en el contrabajo, desarrollando así una mayor soltura en formatos más reducidos, como el solo y el dúo.
Su vínculo con el saxofonista Jon Irabagon se remonta a 25 años de colaboraciones y numerosos conciertos compartidos, además de una grabación previa junto a Barry Altschul. Interesado desde siempre en el formato de dúo, encontró en esta asociación el espacio ideal para una propuesta especialmente lograda. En ese contexto, la exigencia se combina con una notable flexibilidad, en una dinámica que él mismo compara con conducir una moto en lugar de un auto.
Durante la selección del repertorio para el disco TwoPart Inventions, se centraron en estándares escritos por pianistas. El desafío armónico del formato resultó particularmente estimulante, y el resultado final marca, posiblemente, el inicio de una serie de futuras grabaciones en dúo.
BRIAN MARSELLA BAGATELLE VOL. 6 - New York, 2021 - Bagatelle #119, #149, #266, #153 - Brian Marsella (p) Trevor Dunn (b) Kenny Wollesen (d) John Zorn (comp)
Bagatelles Vol. 6 de John Zorn, interpretado por el trío del pianista Brian Marsella, es posiblemente una de las entregas más logradas de esta extensa serie. Publicada inicialmente en 2021 dentro de una caja de cuatro discos y editada por separado en 2026, el álbum destaca por la notable compenetración entre Marsella, el contrabajista Trevor Dunn y el baterista Kenny Wollesen.
Marsella se mueve con soltura dentro de un lenguaje exigente, abordando las composiciones de Zorn —de líneas angulares y a menudo cercanas a la atonalidad— con una combinación de precisión y lirismo. En medio de estas estructuras, surgen pasajes más simples, como valses o baladas, que el trío desarrolla con especial sensibilidad.
Fiel al espíritu de la serie, las piezas sirven como punto de partida para improvisar y se van abriendo hacia terrenos más libres y guiños al cromatismo de Alexander Scriabin.
HENRY THREADGILL’S ZOOID POOF - Astoria, NY, December 15 & 16, 2019 - Come and go, Poof, Now and then - Henry Threadgill (as,fl,bfl,comp) Liberty Ellman (g) Christopher Hoffman (cello) Jose Davila (tu,tb) Elliot Humberto Kavee (d)
Poof, una nueva obra del compositor, saxofonista y flautista Henry Threadgill junto a su grupo Zooid, su principal laboratorio musical durante las últimas dos décadas. Su disco anterior, In for a Penny, In for a Pound, obtuvo el Pulitzer Prize for Music en 2016, se destaca por su originalidad y por la manera en que integra escritura e improvisación en una textura sonora que evoca la complejidad de la vida contemporánea.
Con Poof, Threadgill retoma el trabajo de Zooid, el conjunto más longevo de su extensa trayectoria. La banda —Liberty Ellman en guitarra, Christopher Hoffman en cello, José Dávila en tuba y Elliot Humberto Kavee en batería, junto al propio Threadgill en saxo alto y flautas— suma en conjunto 75 años de colaboración con el líder. Grupo que tuve el privilegio de escuchar en un concierto organizado por la AACM Asociación para el Avance de Músicos Creativosen Nueva York.
Las composiciones del álbum, explica Threadgill, están concebidas como sonatas o conciertos de cámara: “Come and Go” para saxofón y cello; “Poof” para saxofón y guitarra; “Beneath the Bottom” para trombón; “Happenstance” para flauta y batería; y “Now and Then” para tuba y guitarra.


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INGRID JENSEN LANDINGS - New York City, Feb. 7, 2025 - Amsterdam After Dark (1), New Body, Ida Lupino - George Coleman (st-1) Ingrid Jensen (t) Gary Versace (B-3) Marvin Sewell (g) Jon Wikan (dr)
Ingrid Jensen se ha consolidado como una trompetista con una voz propia y reconocible, dueña de un sonido que refleja tanto su personalidad como su enorme talento. A lo largo de los años ha reconocido diversas influencias, desde Clark Terry hasta Woody Shaw, aunque la huella más profunda proviene de Kenny Wheeler.
En “Landings” Jensen reúne un cuarteto ágil y muy atento, capaz de reaccionar en cada momento. Junto al organista Gary Versace, el guitarrista Marvin Sewell y el baterista Jon Wikan, lidera un grupo que puede girar con precisión y, al mismo tiempo, abrir espacios más líricos con total naturalidad. La música suena trabajada en detalle, pero nunca rígida: hay libertad, escucha y una sensación constante de riesgo compartido.
La presencia de George Coleman, junto a su composición “Amsterdam After Dark”, no es solo un guiño a una figura histórica del jazz, sino la incorporación de una voz sólida y expresiva que se integra con naturalidad al lenguaje del grupo.
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MARTIN WIND STARS - February 5-6, 2025 New York City - Passing Thoughts, Life, Black Butterfly, Moody, Wail - Anat Cohen(cl) Kenny Barron (p) Martin Wind (b) Matt Wilson (dr)
“Stars”, el disco del contrabajista Martin Wind, no busca llamar la atención: simplemente, a los pocos compases, uno siente que la música avanza sola, con naturalidad, como si supiera exactamente a dónde va. Tal vez se trate de eso: confianza. La que nace de años tocando juntos, de escenarios compartidos y de silencios bien entendidos. Aquí nadie fuerza nada: todo fluye.
Wind no marca el rumbo de forma evidente; más bien guía con suavidad. Es generoso: deja espacio, equilibra, escucha. Anat Cohen se mueve en ese mismo espíritu: su clarinete canta, conversa, se relaja y también se emociona. Kenny Barron es el centro del grupo, sin imponerse; su toque en el piano permite que todo respire. Y Matt Wilson aporta color y detalle desde la batería, siempre atento, siempre elevando.
HUGO FERNÁNDEZ RIVERMIND - Berlin, Germany, May, 2025 - Rivermind, Playing chase, Brightsteps, Dancing leafs - Daniel Stawinski (p) Hugo Fernandez (g,comp) Giacomo Tagliavia (b) Mathias Ruppnig (d)
El guitarrista mexicano radicado en Berlin, tras más de una década en Madrid, Hugo Fernández ha desarrollado una identidad donde la tradición del jazz convive con elementos del pop-rock, la música del mundo y la formación clásica. Estudió en el Berklee College of Music y realizó un posgrado en la University of New Orleans. Con cinco discos previos, se ha presentado en escenarios y festivales de México y Europa.
En Rivermind, grabado en Berlín en 2025, Fernández reúne siete composiciones originales que se mueven con naturalidad entre el jazz, el pop y el folclore, dando forma a un sonido personal y abierto.
Para este proyecto, Fernández congregó a un trío internacional de gran talento: Daniel Stawinski en piano, con influencias que van del folclore balcánico y la música persa a la tradición europea y cubana; Giacomo Tagliavia en contrabajo que combina sus raíces sicilianas con un lenguaje jazzístico contemporáneo; y Mathias Ruppnig en batería, sólido tanto en contextos tradicionales como en propuestas más exploratorias.


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NOLATET SOMETHIN’ TO RELAX WITH - Tulsa OK April 19, 2025 - Switchback, Cluster, Surely Hazard - Mike Dillon (vib,mar,tabla,perc) Brian Haas (p) James Singleton (b) Johnny Vidacovich (d)
Ocho años después de su último disco, “No Revenge Necessary”, el super grupo de Nueva Orleans Nolatet regresa con un nuevo repertorio que confirma tanto su identidad como su espíritu. La banda combina la sólida sección rítmica del Astral Project —James Singleton en contrabajo y Johnny Vidacovich en batería— con la energía expansiva del vibrafonista y percusionista Mike Dillon y el pianista Brian Haas. El resultado es una música que equilibra la experiencia de músicos curtidos con una clara resistencia a encasillarse en un estilo fijo.
Ser de Nueva Orleans es tanto una actitud como un lugar, y Nolatet lleva esa actitud consigo, en esta ocasión el grupo se trasladó a Tulsa, Oklahoma para grabar su tercer álbum en vivo en el club LowDown, frente a un público entusiasta que captó de inmediato ese espíritu flexible y comunicativo que define al cuarteto.
JAKOB BRO TAKING TURNS - New York, March, 2014 - Black is all colors at once, Haiti - Lee Konitz (as,sop) Jason Moran (p) Jakob Bro (g,comp) Bill Frisell (g) Thomas Morgan (b) Andrew Cyrille (d)
El prestigio del guitarrista danés Jakob Bro creció de forma decisiva cuando en 2006 reemplazó a Bill Frisell en la banda del baterista Paul Motian, una conexión que lo acercó por primera vez al saxofonista alto Lee Konitz. En este album, “Taking Turns” junto a Bro y Konitz, se reúne un sutil “supergrupo” que incluye a Frisell, el pianista Jason Moran, el contrabajista Thomas Morgan y el baterista Andrew Cyrille.
El tema de apertura, “Black Is All Colors at Once”, se despliega con delicados arpegios de guitarra antes de que Konitz —entonces con 86 años— deje oír un fraseo profundo y meditativo, alternando registros graves con agudos que sostiene sin repetirse, sobre el entramado de guitarras y el pulso ágil pero discreto de Morgan.
RON MILES “OLD MAIN CHAPEL” - Boulder, CO, September 21, 2011 - Guest of honor, Ruby go round - Ron Miles (tp) Bill Frisell (g) Brian Blade (d)
“Old Main Chapel” fue grabado en vivo en el recinto del mismo nombre en Boulder, Colorado, el 21 de septiembre de 2011, apenas un día antes de que el trío de Ron Miles (tp) Bill Frisell (g) Brian Blade (d) entrara al estudio para registrar su debut, “Quiver”. El programa —siete piezas en total— reúne seis composiciones originales de Miles, varias de ellas en versiones más extensas de las que luego aparecerían en el disco”.
Se trata de una música de cámara jazzística de alto nivel: más que centrarse en un solista, sigue la interacción constante entre los tres músicos. La trompeta de Miles se aleja de cualquier gesto declamatorio y privilegia un fraseo contenido, de notable sutileza tímbrica.


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CHARLIE JOHNSON AND HIS PARADISE BAND
- New York, September 19, 1928 - The boy in the boat, Walk that thing - Leonard Davis, Sidney DeParis, Jimmy Harrison (tp) Ben Whitted (cl,as) Edgar Sampson (cl,as,vln) Benny Waters (cl,ts,arr) Charlie Johnson (p) Bobby Johnson (bj) Cyrus St. Clair (tu) George Stafford (d)
- New York, May 8, 1929 - Harlem drag, Hot bones and rice - Leonard Davis, Sidney DeParis (tp) George Stevenson (tb) Edgar Sampson, Ben Whitted (cl,as) Benny Waters (cl,ts) Charlie Johnson (p) Bobby Johnson (bj) Billy Taylor, Sr. (tu) George Stafford (d)
Charlie Johnson dirigió una de las mejores bandas de la década de 1920. Comenzó a tocar el trombón, trabajando de forma independiente en el área de Nueva York a partir de 1914. Sin embargo, después de mudarse a Atlantic City, se cambió al piano. Nunca fue realmente un solista, era más bien un acompañante que tenía un don para armar bandas de jóvenes estrellas. Dirigió una serie de grupos a partir de 1918 y grabó con la cantante de blues clásico Mary Stafford en 1921. Su Paradise Ten se estableció en el club Small’s Paradise durante 1925-35. La banda de Johnson grabó cinco sesiones notables durante 1925-29, con acompañantes como Thomas Morris, Jabbo Smith, Leonard Davis, Sidney DeParis, Charlie Irvis, Jimmy Harrison, Benny Carter y Benny Waters, además de la vocalista invitada Monette Moore.
Después de que la banda cerrara en Small’s en 1935, Charlie Johnson se desvaneció de la escena, tocando solo de vez en cuando a principios de la década de 1950 y nunca más volvió a grabar.
Entre los aspectos más destacados se encuentran “Don’t You Leave Me Here”, “You Ain’t the One”, “Charleston Is the Best Dance After All”, y tres tomas de la emocionante “Walk That Thing”. Jabbo Smith se roba el espectáculo en un par de ocasiones, pero un gran porcentaje de los acompañantes de Johnson fueron musicos importantes, y tanto el trabajo del conjunto como los solos están en un nivel consistentemente alto.
TRUMMY YOUNG BIG SEVEN - New York, September 3, 1946 - Blues triste, Fruttie cutie, Johnson rock, Lucky draw - Buck Clayton (tp) Trummy Young (tb) Buster Bailey (cl) George Johnson (as) Jimmy Jones (p) John Levy (b) Cozy Cole (d)
James “Trummy” Young fue famoso tanto por su sonido extrovertido como por sus trabajos con Jimmie Lunceford y Louis Armstrong. Creció en Washington, D.C., y trabajó con Booker Coleman’s Hot Chocolates (1928). Se mudó a Chicago, donde fue solista destacado con la orquesta de Earl Hines (1933-37). Mientras estaba con Jimmie Lunceford (1937-43), Young fue la estrella de la exitosa versión de la banda de “Margie”, cantando y tomando un famoso solo de trombón.
Young fue lo suficientemente flexible como para tocar con cualquiera, incluso participar en una cita dirigida por el pianista Clyde Hart que incluía a Charlie Parker y Dizzy Gillespie.
Para la sesión de Trummy Young’s Big Seven del 3 de septiembre de 1946, el trompetista Buck Clayton y el saxo alto George Johnson son responsables de la mayor parte del repertorios (y posiblemente también de los arreglos, con la ayuda del habitual Jimmy Jones).
Hay nuevas caras, son el clarinetista Buster Bailey de las bandas de Fletcher Henderson y John Kirby, el maestro de la batería Cozy Cole, y el bajista John Levy, que había llegado a Nueva York desde Chicago con Stuff Smith.
El precioso e inquietante tema BLUES TRISTE de Jimmy Jones es quizás el más avanzado de la sesión. Bailey y Jones lo montan, Buck lidera el conjunto. Bailey es fluido y sofisticado, Jones, en su uso de acordes con un sonido casi similar al arpa, el alto George Johnson es fino y Trummy ofrece el mayor contraste en un estilo más bopero.
BUNK JOHNSON JAZZ BAND - New Orleans, LA, October 2, 1942 - Big Chief Battle Axe, Dusty rag, Franklin Street blues, The Thriller rag, Sobbin’ blues - Bunk Johnson (tp) Albert Warner (tb) George Lewis (cl) Walter Decou (p) Lawrence Marrero (bj) Chester Zardis (b) Edgar Mosley (d)
Para algunos, a principios de los años 40, Bunk no era un musico genuino. Para otros, era una especie de dios cuyo descubrimiento parecía venir directo del nacimiento del jazz. En retrospectiva, la verdad parece estar en el punto medio. Ahora sabemos que Bunk era un embustero que mintió sobre su edad y era demasiado joven para haber tocado con Buddy Bolden, aunque sin duda lo escuchó.
Su sesión de octubre de 1942 que vamos a escuchar nos trae una música de Nueva Orleans que no había sido documentada en disco hasta la primera cita de Bunk unos meses antes. Las bandas negras de Nueva Orleans que hicieron discos en los años 20 fueron en su mayoría las que tocaron para el público blanco, con pocas excepciones notables como Sam Morgans. Esta música tocada por músicos de mediana edad para sus contemporáneos, principalmente para bailar, con un toque de bandas de desfile. Bunk tenía sus propias ideas sobre cómo debería ir la música. No era realmente un improvisador, ciertamente no en el sentido post Armstrong (aunque curiosamente su fraseo fue claramente influenciado por Louis).
Aparte de Bunk, el músico más interesante aquí es el clarinetista George Lewis, que llevaría el estandarte bandera de este tipo de jazz de Nueva Orleans en las décadas posteriores a la muerte de Bunk en 1949. Sus puntos fuertes eran la sinceridad absoluta, un tono y una manera con el blues que era suyo. Los otros, aparte del banjoista Lawrence Marrero que, al igual que Lewis, llegó al norte con Bunk más tarde.
ZUTTY SINGLETON:
- ZUTTY’S CREOLE BAND - Los Angeles, June 30, 1944 - Oh, didn’t he ramble, Crawfish blues - Norman Bowden (tp) John “Shorty” Haughton (tb) Barney Bigard (cl) Freddie Washington (p) Bud Scott (g) Ed Garland (b) Zutty Singleton (d)
- ZUTTY’S TRIO - Los Angles, June 30, 1944 - Barney’s bounce, Lulu’s mood - Barney Bigard (cl) Freddie Washington (p) Zutty Singleton (d)
El gran baterista Zutty Singleton, nacido en Nueva Orleans, se había establecido en Los Ángeles en 1943, y la ciudad siguió siendo su base durante unos ocho años. Sus afiliaciones iban desde Slim Gaillard hasta Wingy Manone, e hizo trabajos de cine y radio. Aquí está elegido con el trompetista Norman Bowden, que suena positivamente arcaico, pero Barney Bigard está en forma juguetona. Bud Scott y Ed Garland, al igual que Barney, son de Nueva Orleans y el pianista Freddie Washington, aunque de Texa, habían estado con Kid Ory ya en 1921. RAMBLE, el himno de Nueva Orleans, tiene un buen Bigard en conjunto y solo, y un sólido solo del veterano trombonista de big band Shorty Haughton. No tan bueno - ni el clarinete ni el piano alcanzan el mismo nivel.


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