PuroJazz

PASQUALE MIRRA / HAMID DRAKE “LHASA” - Italy ?, c. 2024 - The toad - Pasquale Mirra (vib) Hamid Drake (d)
Percusionista prolífico y de enorme prestigio dentro del jazz de vanguardia y la improvisación, Hamid Drake ha construido un lenguaje rítmico que mezcla elementos afro-cubanos, indios y africanos. Surgió en los años setenta junto al saxofonista Fred Anderson, figura clave de la escena de Chicago, y desde entonces ha sido un colaborador esencial de improvisadores como Peter Brötzmann, Matthew Shipp, Ken Vandermark, Pharoah Sanders y William Parker. Además, trabajó estrechamente con Don Cherry desde 1978 hasta la muerte del trompetista en 1995.
Pasquale Mirra, originario de Ravello, es considerado uno de los vibrafonistas más talentosos de la escena italiana e internacional. Ha colaborado con grandes improvisadores del escenario mundial, incluidos Michel Portal, Fred Frith, Nicole Mitchell, Tristan Honsinger, Ernst Rijseger, y con algunos de los artistas italianos más talentosos. En 2013, 2014 y 2015 fue nombrado el mejor vibrafonista italiano por la revista Jazz it.
Es difícil definir y encasillar a estos dos músicos, porque no pertenecen a un solo género y demuestran con cuánta maestría y naturalidad se puede pasar de una cultura musical a otra sin generar rupturas.
En el Festival Internacional de Providencia, Hamid y Pasquale presentarán su música junto a cuatro músicos chilenos: Claudio Rubio, saxos; Felipe Rivero, piano y teclados; Milton Russell, contrabajo y Raul Aliaga en percusión y tabla.

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BRUCE BARTH “DEDICATION” - Brooklyn, NY, August 9, 2021 - “Dedication” - Brooklyn, NY, August 9, 2021 - Courage, In memoriam, Let’s go - Bruce Barth (p,comp) Vicente Archer (b) Montez Coleman (d)
Figura clave de la escena jazzística de Nueva York durante 40 años, el pianista Bruce Barth ha desarrollado una visión musical inspirada que siempre ha dado lugar a colaboraciones valiosas y profundas. Ninguna tan significativa como la de su trío estable de muchos años junto al contrabajista Vicente Archer y el baterista Montez Coleman.
La voz colectiva del grupo encontró aquí su marco perfecto, lo que convierte el álbum *Dedication* en un momento especialmente profundo y cargado de emoción: Montez falleció apenas cinco meses después de la sesión de grabación, a los 48 años. El disco celebra la alegría y la camaradería que Montez aportaba al grupo, así como la inspiración, guía y gratitud durante toda la grabación.
SEBASTIÁN JORDÁN “PATAGONIA” - Santiago 2023 - Patagonia, Sofía - Sebastián Jordán (t) Sergio Olivares (saxo/fl) Sebastián Castro (p/tecl) Milton Russell (b) Félix Lecaros (dr)
Sebastián Jordán es, sin lugar a dudas, la figura más relevante de la trompeta en el jazz chileno, consolidado como solista a partir de la década del 2000. Formado con distinción en el seno de las orquestas Irazú (1997) y Los Andes Big Band (1998), pronto se erigió como el principal referente del instrumento dentro de su generación.
Su trayectoria se ha caracterizado por la construcción de un discurso musical propio, de notable profundidad lírica y refinamiento expresivo, desarrollado tanto en sus proyectos como solista-líder como en su prolífica labor como sideman en la escena contemporánea. En este sentido, Jordán se inscribe de manera natural como el continuador de Cristián Cuturrufo en la línea histórica de la trompeta dentro del jazz chileno.


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JAMIE BAUM “SIGHT UNHEARD” - New York, January, 1995 - Aftermath (kw out), Una muy Bonita, Sight unheard - Dave Douglas (tp) Jamie Baum (fl,altofl) Roberta Piket (p) Drew Gress (b) Jeff Hirshfield (d)
La flautista y compositora neoyorquina Jamie Baum, reconocida internacionalmente como una de las grandes flautistas del jazz e incluida anualmente en la encuesta de críticos de la revista DownBeat desde 1999, ha trabajado y/o grabado con figuras tan diversas como Randy Brecker, Paul Motian, Roy Hargrove, Kenny Barron, Anthony Braxton y Wadada Leo Smith. Baum también enseña en el departamento de JazzArts de la escuela de música de Manhattan.
Pasado mañana, el viernes 23 a las 20:00 Jaime se presentará en el Festival Internacional de Providencia con el cuarteto que debutó en 2023 en el legendario club Mezzrow de Nueva York. Tras años tocando juntos en distintos proyectos y formaciones, el balance entre lo familiar y lo inesperado mantiene al público atento. El repertorio mezcla composiciones originales de los integrantes y arreglos d estándares con un enfoque propio.
En su álbum Sight Unheard es acompañada por músicos de primer nivel — Dave Douglas en trompeta y Kenny Werner o Roberta Piket en piano—, pero mantiene su presencua siempre al frente. Jamie compuso casi todo el repertorio, e hizo todos los arreglos de música abierta y dinámica, llena de matices, energía y momentos de gran interacción colectiva.
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MILT JACKSON “QUINTET” - New York, April 7, 1952 - Tahiti, Lillie, Bags’ groove, What’s new ?, Don’t get around much anymore, On the scene - Lou Donaldson (as1) Milt Jackson (vib) John Lewis (p) Percy Heath (b) Kenny Clarke (d)
Este CD reúne dos sesiones completas lideradas por el vibrafonista Milt Jackson. En una de ellas, los futuros integrantes del Modern Jazz Quartet se unen al saxofonista Lou Donaldson; la otra incluye ocho temas en cuarteto junto a Thelonious Monk.
Hoy escucharemos la sesión de abril de 1952, que en lo esencial ya presenta al Modern Jazz Quartet: John Lewis (piano), Percy Heath (contrabajo) y Kenny Clarke (batería), ofreciendo un acompañamiento excepcional a Jackson. Con Lou Donaldson en saxofón alto, el grupo interpreta versiones sublimes que duran unos minutos cada una. Eto se debe que, aunque el LP ya existía desde 1948, estas grabaciones fueron pensadas originalmente para discos de 78 rpm, formato que seguía siendo el más usado por las radios y porque muchos oyentes aún no tenían tocadiscos para LP. Así, estas sesiones se publicaron primero como 78 rpm de Blue Note y solo más tarde fueron recopiladas en LP.

ENRICO PIERANUNZI “DON’T FORGET THE POET” - Amsterdam, The Netherlands, March 7, 8 & 9, 1999 - Don’t forget the poet, A nameless gate, Hindsight - Bert Joris (tp,flhrn) Stefano d’Anna (sop,ts) Enrico Pieranunzi (p) Hein van de Geyn (b) Hans van Oosterhout (d)
Enrico Pieranunzi, nacido en Roma en 1949, es pianista, compositor y arreglador. Ha grabado más de 70 discos como líder y ha colaborado, en vivo y en estudio, con músicos como Chet Baker, Lee Konitz, Paul Motian, Charlie Haden, Chris Potter, entre muchos otros. Ha sido elegido Artista del Año en tres ocasiones por la encuesta de críticos de la revista Musica Jazz y también recibió el premio francés Django d’Or como Mejor Músico Europeo.
En el álbum Don’t Forget the Poet, Pieranunzi aparece acompañado por Bert Joris en trompeta y fliscorno, y por el saxofonista Stefano d’Anna. El grupo se completa con el contrabajista Hein Van de Geyn, quien además produce el disco, y el baterista Hans von Oosterhout. Los 11 temas son composiciones de Pieranunzi y proponen una música donde prima la belleza y el lirismo, más que el swing marcado o las referencias directas al blues.


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BUD FREEMAN - “AND HIS GANG” - New York, July 12, 1938 - Tappin’ the Commodore till, Memories of you - Bobby Hackett (cnt) Pee Wee Russell (cl) Dave Matthews (as) Bud Freeman (ts) Jess Stacy (p) Eddie Condon (g) Artie Shapiro (b) Dave Tough (d-1) Marty Marsala (d-2)
“BUD FREEMAN TRIO” - New York, November 30, 1938 -The blue room, Exactly like you - Bud Freeman (ts) Jess Stacy (p) George Wettling (d)
Bud Freeman siempre tuvo su propio sonido y estilo. Aunque nunca fue la influencia dominante que fue Hawkins, fue una inspiración tanto para Lester Young (que admiraba su individualidad incluso mientras desarrollaba su propio tono mucho más frío) como para Eddie Miller, que con Bob Crosby a menudo sonaba como Freeman, pero tocaba en un estilo más simple, aunque no menos oscilante. Incluso Hawkins expresó admiración por las habilidades de Freeman y su decisión de no copiar a nadie más.
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EDDIE HEYWOOD “AND HIS ORCHESTRA” - New York, February 19 & 26, 1944 -`T ain’t me, Carry me back to old Virginny, I can’t believe that you’re in love with me - Doc Cheatham (tp) Vic Dickenson (tb) Lem Davis (as) Eddie Heywood (p) Al Lucas (b) Jack “The Bear” Parker (d)
El pianista Eddie Heywood nació en Atlanta, Georgia. Se inició tocando en un teatro de vódevil en Atlanta, ocasionalmente acompañando a cantantes como Bessie Smith y Ethel Waters.[ 1] Heywood se mudó, primero a Nueva Orleans y luego a Kansas City, cuando el vódevil comenzó a ser reemplazado por imágenes sonoras. Después de mudarse a Nueva York, toco con Benny Carter (1939-1940). Luego dirigió su propio grupo a partir de ese período, apoyando a Billie Holiday en algunas ocasiones a partir de 1941. En 1943, aparece en el cuarteto de Coleman Hawkins con un solo en “The Man I Love”). Su primer sexteto incluyó a Doc Cheatham y Vic Dickenson. Su versión de 1944 de “Begin the Beguine” se convirtió en un éxito. Eddie Heywood continuó actuando hasta la década de 1980.

CHU BERRY “AND HIS JAZZ ENSEMBLE” - New York, August 28, 1941 - Blowing up a breeze, On the sunny side of the street, Monday at Minton’s, Gee baby, ain’t I good to you ? (hlp vcl) - Hot Lips Page (tp,vcl) Chu Berry (ts) Clyde Hart (p) Al Casey (g) Al Morgan (b) Harry Jaeger (d)
El August 28, 1941 Chu Berry, Hot Lips Page y Clyde Hart en tenor, trompeta y piano ingresaron al estudio de Commodore Records en New York. También participan el guitarrista de Fats Waller Al Casey y Harry Wager baterista de Benny Goodman, son caras nuevas del sello. La instrumentación es la misma que la de Chu en una grabación de 1938, lo que deja bastante claro son los cambios que habían tenido lugar en el swing. Se había vuelto más ágil, con una mayor propensión a los riffs que son frase corta repetida típicamente utilizada como introducción o estribillo en una canción.
Grabaron dos baladas y dos temas rápidos: Una larga toma de “On The Sunny Side Of The Street”, con un solo de Hot Lips. “Blowing Up A Breeze”, muestra que Chu y Lips van bien juntos. La toma termina con un riff al unísono y Chu, con la mayor parte del espacio en solitario, que está en buena forma; este era el tipo de ritmo en él que sobresalía. “Monday At Minton’s” es el primo de “One O’clock Jump”, al que Hart cita en su solo de saxo alto. “Gee Baby Ain’t I Good To You” fue una de las especialidades de Lips. Su solo de trompeta con sordina es “suplicante”. Este fue el canto del cisne de Chu: en dos meses, había fallecido, acababa de cumplir 33 años. Si hubiera vivido, podría haber habido una tercera escuela clásica de tenor para agregar a Coleman Hawkins y Lester Young.

PECK KELLEY “PECK KELLEY JAM” - Houston, Texas, June 9 & 16, 1957 - Stompin’ at the Savoy, Riverboat shuffle - Dick Shannon (cl) Peck Kelley (p) Felix Stagno (el-g) Dusty Hymes (g) Glen Boyd (b) Richard “Spanky” Jones (d)
Peck Kelley fue un hombre sumamente tímido y un pianista virtuoso con el don de atraer a los mejores y más brillantes jóvenes músicos de jazz de todo el país a su banda en el este de Texas. Los mejores líderes de banda del día intentaron atraerlo, pero se negó a migrar a escenas de jazz fértiles y más lucrativas en otros lugares. En cambio, creó un centro de hiot jazz en su estado en una época en la que el jazz rara vez se escuchaba en ningún otro lugar que no fuera Nueva Orleans o Chicago.
Kelley lideró una influyente “territory band” en Texas durante la década de 1920. Se decía que el estilo de Kelley estaba adelantado a su tiempo y era armónicamente más avanzado que el de otras bandas de esa época. En el grupo tocaron músicos como Pee Wee Russell y Jack Teagarden, además de Leon Roppolo, de los New Orleans Rhythm Kings. La banda nunca llegó a grabar.
En 1957, Peck Kelley se unió al cuarteto de Dick Shannon, con Glen Boyd al contrabajo, formación de la que provienen las únicas grabaciones de estudio que se conservan de este músico.


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JACKIE MCLEAN “JACKNIFE” - Englewood Cliffs, N.J., September 24, 1965 - Blue fable (1) - - Lee Morgan (tp1) Charles Tolliver (tp2) Jackie McLean (as) Larry Willis (p) Larry Ridley (b) Jack DeJohnette (d)
La historia de Jackie McLean es ya parte de la leyenda del jazz. Empezó a tocar el saxofón alto a los quince años; a los diecisiete estudiaba con Bud Powell y tocó en conciertos locales con Thelonious Monk y al año siguiente junto a Charlie Parker, y a los diecinueve se presentó en el club Birdland con Miles Davis. Además, grabó con Miles Davis, el Jazz Workshop de Charles Mingus y más tarde con los Jazz Messengers de Art Blakey. Antes de cumplir veinte años, McLean era conocido como una figura clave del jazz neoyorquino.
Su álbum Jacknife (1965) lo acompañan los trompetistas de primer nivel, Lee Morgan y Charles Tolliver, y una sólida sección rítmica: Larry Willis al piano, Larry Ridley en el contrabajo y Jack DeJohnette en la batería. El sonido intenso de McLean recorre un repertorio variado, que va desde las amplias exploraciones modales de “On The Nile”, de Tolliver, pasando por los ritmos enérgicos de “Climax”, de DeJohnette, hasta “Blue Fable”, composición del propio McLean.
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HAMPTON HAWES “THE TRIO (VOLUMES 1 & 2) - Diciembre 1955 & enero 1956 - Stella by starlight, Blues for Jacque, Yesterdays - Hampton Hawes (p) Red Mitchell (b) Chuck Thompson (d)
Hampton Hawes fue uno de los mejores pianistas de hard bop de la escena jazzística de la Costa Oeste. Llamó la atención a fines de los años 50 con una serie de excelentes discos en formato de trío. Influido por las innovaciones bebop de Bud Powell, Hawes mostró muy pronto la misma soltura tanto en temas rápidos y llenos de swing como en baladas románticas.
Después de trabajar con las bandas de Los Ángeles lideradas por Shorty Rogers y Howard McGhee, y tocar con figuras del bebop de la Costa Oeste como Sonny Criss, Dexter Gordon y Wardell Gray.
Hampton Hawes Trio, Vols. 1 & 2 es el primero de una larga serie de grabaciones que lo muestran en uno de los mejores momentos iniciales de su carrera, junto al contrabajista Red Mitchell y al baterista Chuck Thompson. Además de tres composiciones propias, Hawes interpreta siete estándares con versiones llenas de energía y swing, logrando que temas muy conocidos suenen nuevamente vivos y atractivos.
LIAM SILLERY “PHENOMENOLOGY” - River Edge, N.J., December 9, 2008 - Phenomenology, Holding pattern, Intentionality - Liam Sillery (tp,flhrn) Matt Blostein (as) Jesse Stacken (p) Thomas Morgan (b) Vinnie Sperrazza (d)
Con su lanzamiento “Phenomenology”, el trompetista Liam Sillery continúa desafiando tanto a los músicos como al oyente con composiciones intrincadas e improvisación sorprendente. La banda es reactiva y solidaria, mientras mantiene sus personalidades individuales para complementar constantemente la música. La exploración de Liam de los paisajes sónicos sugeridos por sus composiciones crea una sensación de intriga melódica en el “Koi” inspirado en Kenny Wheeler y las líneas de la rueda de la bocina a través del backbeat de “Intentionality”. Esta grabación sin duda ayuda a solidificar a Sillery como “una voz importante en el jazz del siglo XXI”


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J.D. ALLEN “AMERICANA, VOLUME 2” - Astoria, NY, January 26, 2022 - The werk song, Hammer and hoe, The battle of Blair Mountain - J.D. Allen (ts) Charlie Hunter (g) Gregg August (b) Rudy Royston (d)
En Americana Vol. 2, J.D. Allen aborda temas profundos —políticos, raciales, económicos e históricos—, pero en el centro musical del disco está algo tan simple y a la vez fundamental como el blues. Allen pone el foco en ese papel muchas veces subestimado, pero clave, que el blues ha tenido en la historia del jazz y en cómo sigue transformándose e influyendo en el género hasta hoy.
Para este proyecto vuelve a trabajar con sus colaboradores de siempre, Gregg August en contrabajo y Rudy Royston en batería, y suma al guitarrista Charlie Hunter. Hunter no solo comparte con Allen un interés profundo por el blues y su legado, sino también varias experiencias de vida similares. Aunque crecieron en distintas regiones del país, sus trayectorias personales se cruzan de manera natural, algo que se percibe con claridad en la música que hacen juntos.
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MATT BAUDER “NIGHTSHADES” - Brooklyn, NY, February 5 & 6, 2013 - Octavia minor, Weekly resolution - Nate Wooley (tp) Matt Bauder (ts) Kris Davis (p) Jason Ajemian (b) Tomas Fujiwara (d)
Matt Bauder formó su banda Day in Pictures en 2007 con la idea de concentrar sus diversas habilidades como compositor en un sonido propio y reconocible. La formación actual reúne a algunos de los improvisadores más destacados de hoy. Nate Wooley y el propio Bauder, en trompeta y saxofón tenor, han desarrollado un frente muy particular gracias a años de giras junto al quinteto Canada Day de Harris Eisenstadt. La base rítmica —Kris Davis en piano, Jason Ajemian en contrabajo y Tomas Fujiwara en batería— se complementa a partir de contrastes claros entre sus distintas maneras de tocar.
Cuesta imaginar una versión más personal y cercana de la tradición del souljazz actual que “Octavia Minor”, el tema que abre Nightshades, segundo álbum del grupo. La pieza se apoya en un riff relajado de hard bop y en el diálogo natural entre Bauder y el notable trompetista Wooley. Al mismo tiempo, se aparta con elegancia de lo convencional gracias a un clima espacial, con matices de Medio Oriente, y al intercambio tenso entre los giros blueseros del piano de Davis y los acentos descentrados de la batería de Fujiwara.
MAX JOHNSON “MAX JOHNSON QUARTET” - Paramus, NJ, c. 2012 - 60-66, Disharmony in 5 notes or less, Lost & found (for Henry Grimes) - Steve Swell (tb) Mark Whitecage (as,cl) Max Johnson (b) Tyshawn Sorey (d)
Discípulo del bajista de vanguardia Henry Grimes, Max Johnson aporta a su contrabajo una energía intensa en Max Johnson Quartet su prometedor debut. El disco reúne seis composiciones originales para un cuarteto sin piano, donde distintos géneros se filtran a través de una mirada claramente libre y experimental. Johnson ha tocado con figuras como Anthony Braxton, William Parker y John Zorn; esas influencias se sienten, pero no lo dominan: aquí logra una voz propia, creando reglas solo para tensarlas o dejarlas de lado.
Esa tensión se percibe en “Elephant March”, un funk en compases irregulares que parece reclamar a John Medeski, hasta que Tyshawn Sorey empieza a desarmar el pulso y el trombonista Steve Swell junto al saxofonista Mark Whitecage despegan hacia zonas extremas y luego regresan. “Lost & Found” crece poco a poco, con ecos de los pasajes más brillantes de Rhapsody in Blue. El no del todo tradicional “6066” da paso a “Atonement”, un blues torcido, y el cierre “IsetRa” evoca pirámides, rituales y quizá a la Arkestra que alguna vez tocó entre ellas.


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