PuroJazz

LENNY POPKIN FALLING FREE - New York, fall 1979 - 317 East 32nd Street, You’re irreplaceable, Body and soul, When you’re smiling, LennieBird - Lenny Popkin (ts) Eddie Gomez (b) Peter Scattaretico (d)
El título del disco “317 East 32nd”, identifica inmediatamente a Lenny Popkin como integrante de la escuela de Lennie Tristano. 317 East 32nd Street era la dirección del estudio y centro de enseñanza que el pianista mantuvo en Manhattan, y también el nombre de una de sus composiciones,
Popkin, discípulo de Tristano, tuvo escasas oportunidades de grabar como líder. Estas actuaciones, registradas en Nueva York durante el otoño de 1979 por la pianista Connie Crothers, en su loft dieron origen a su primer álbum, publicado inicialmente en 1981 con el título “Falling Free”. Años después apareció en CD como “317 East 32nd”.
Sin piano ni otro instrumento armónico, Popkin comparte el espacio con el notable contrabajista Eddie Gomez y el baterista Peter Scattaretico. Su sonido ligero y aireado recuerda a Lee Konitz y Warne Marsh, aunque posee una personalidad propia, especialmente en la manera de construir largas líneas melódicas.
El repertorio combina standards y contrafacts, siguiendo la tradición de Tristano. [Contrafacts son piezas en las que se usan los acordes de otra mientras se introduce una melodía completamente nueva]. En “When You’re Smiling”, Popkin recrea casi literalmente un solo de Lester Young.
RAY BROWN/JIMMY ROWLES TASTY ! - San Francisco, CA, October 22, 1979 - I’m gonna sit right down and write myself a letter, The night is so young and you’re so beautiful, Come Sunday Jimmy Rowles (p) Ray Brown (b)
“Tasty!” reúne a dos músicos veteranos: Jimmy Rowles en piano y Ray Brown en contrabajo. Grabado en 1979 en San Francisco, fue su segundo álbum en dúo, después de “As Good as It Gets”, registrado dos años antes.
En este formato tan expuesto, piano y contrabajo intercambian constantemente sus funciones. Brown no se limita al acompañamiento: propone ideas, conduce el ritmo y sostiene verdaderos diálogos con Rowles. Su enorme sonido, profundo y perfectamente definido.
Rowles, por su parte, toca con esa combinación tan personal de refinamiento armónico, humor y aparente despreocupación. En “I’m Gonna Sit Right Down and Write Myself a Letter” sorprende con algunos pasajes de “stride”, mientras que en las baladas deja amplios espacios y encuentra acordes inesperados sin nunca perder la melodía.
El repertorio incluye canciones de Harold Arlen, Duke Ellington, Jerome Kern y otros grandes autores. Pero el verdadero encanto del disco está en la economía, el “swing” y la complicidad entre ambos. Música madura, cálida y aparentemente sencilla, aunque detrás de cada frase hay décadas de experiencia. El título le queda perfecto: todo está tocado con muy buen gusto.
VANGUARD JAZZ ORCHESTRA CENTENNIAL : THE MUSIC OF THAD JONES - Live “Village Vanguard”, New York, February 7 & 8, 2024 - A child is born, Don’t git sassy - Terell Stafford, Scott Wendholt, John Chudoba, Brian Pareschi (tp) Dion Tucker, Jason Jackson, Robert Edwards (tb) Douglas Purviance (btb) Dick Oatts (as,dir) Billy Drewes (as,sop) Rich Perry, Ralph Lalama (ts) Gary Smulyan (bar) Adam Birnbaum (p) David Wong (b) John Riley (d)
Thad Jones habría cumplido cien años el 2023. Para celebrar su legado, la Vanguard Jazz Orchestra regresó a la música de su fundador en este álbum doble, grabado en vivo en el Village Vanguard de Nueva York en febrero de 2024.
La historia de la orquesta comenzó en 1966, cuando Jones y el baterista Mel Lewis organizaron una gran banda para tocar durante tres lunes en el club. El éxito de la prueba se transformó en una residencia semanal que continúa hasta hoy. Tras la partida de Jones a Dinamarca en 1979 y la muerte de Lewis en 1990, el conjunto adoptó su nombre actual, manteniendo vivo el repertorio original sin transformarse en una pieza de museo.
Jones modernizó el lenguaje de las grandes bandas al unir la elegancia y complejidad de Duke Ellington con el “swing” y las raíces del blues de Count Basie. Esa combinación vuelve a escucharse aquí en piezas fundamentales como “Back Bone”, “61st & Rich’It” y su célebre balada “A Child Is Born”.
Bajo la dirección artística del saxofonista Dick Oatts, la orquesta interpreta estas obras con precisión, energía y una fuerte personalidad colectiva. Es un homenaje respetuoso, pero lleno de vida, que confirma la vigencia de una música escrita para perdurar.


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CHAD TAYLOR TRIO THE REEL - Astoria, NY, May 9 & June 24, 2022 - Subterfuge, The reel, Omniverse - Brian Settles (sax) Neil Podgurski (p) Chad Taylor (d)
Después de una extensa trayectoria como acompañante, en grupos como Chicago Underground y Exploding Star Orchestra, el baterista Chad Taylor asumió plenamente el papel de líder con su trío. “The Reel”, grabado en 2022, es su segundo álbum junto al saxofonista Brian Settles y el pianista Neil Podgurski.
Los tres músicos se conocieron a mediados de los años noventa, cuando estudiaban en The New School de Nueva York. Esa larga relación se percibe en la soltura del conjunto y en un diálogo constante, sin necesidad de bajo. El repertorio incluye composiciones de los tres integrantes y dos piezas de Andrew Hill. En “Subterfuge”, Taylor establece un ritmo cercano a la bossa nova, sobre el cual Settles y Podgurski desarrollan sus solos. En “Reconciliation”, el trío aborda el complejo tema de Hill con claridad y seguridad.
Podgurski aporta cuatro de las nueve composiciones, entre ellas la elaborada “Delta” y la más dinámica “Nebula”. Settles firma “Moon Tone Shift”, que comienza en un clima meditativo y crece hasta alcanzar un intenso desenlace.
Las dos piezas de Taylor destacan, como era de esperar, por su carácter rítmico. “Julian’s Groove” transmite una alegría contenida, mientras “The Reel” funciona como el centro melódico y conceptual del álbum.
BILL EVANS TRIO EMPATHY - New York, August 20, 1962 - I believe in you, Danny boy, Let’s go back to the waltz, Goodbye - Bill Evans (p) Monty Budwig (b) Shelly Manne (d)
“Empathy”, grabado en 1962, nació de un encuentro circunstancial entre el pianista Bill Evans y el baterista Shelly Manne. Ambos se presentaban por separado en el Village Vanguard de Nueva York cuando el productor Creed Taylor propuso reunirlos en el estudio. Riverside Records, sello al que pertenecía Evans, autorizó la sesión para Verve, y el trío quedó completo con Monty Budwig, entonces bajista habitual de Manne.
Aunque el disco apareció bajo los nombres de Evans y Manne, el piano ocupa naturalmente el centro de la música. Sin embargo, no se trata simplemente de un solista acompañado por una sección rítmica. Manne escucha y responde continuamente, introduce pequeños acentos y cambios de intensidad, y establece con Evans un diálogo sutil que eleva la sesión por encima de un encuentro convencional. Budwig aporta una base firme y discreta, sin limitar la libertad de sus compañeros.
El repertorio está compuesto principalmente por estándares e incluye dos canciones de Irving Berlin. Evans se escucha especialmente ligero, relajado y espontáneo, mientras Manne demuestra que podía tocar con gran delicadeza sin perder su personalidad.
“Empathy” conserva el aire fresco de una sesión realizada sin mayores pretensiones: tres músicos liberados por un día de sus grupos habituales, disfrutando del placer de tocar juntos.
KENNY WHEELER SEXTET WHAT WAS - London, England, September 29, 1995 - Blue Nile, Newness - Kenny Wheeler (flhrn) Ray Warleigh (as,fl) Stan Sulzmann (ts) John Parricelli (g) Chris Laurence (b) Tony Levin (d)
Pocos músicos de trompeta y fliscorno poseen una voz tan reconocible como Kenny Wheeler. Nacido en Canadá y establecido en Gran Bretaña desde 1952, desarrolló un sonido lírico y melancólico, además de una escritura armónica muy personal. Aunque su música permaneció arraigada en el jazz, Wheeler también ocupó un lugar importante en la improvisación libre europea.
“What Was” fue grabado el 29 de septiembre de 1995 en Gateway Studio, cerca de Londres, pero permaneció inédito durante más de treinta años. Wheeler había fallecido en 2014; la edición póstuma, preparada por el sello False Walls y producida por Evan Parker, apareció en formato físico y digital el 17 de abril de 2026. La sesión se presenta aquí completa por primera vez. [
Wheeler toca junto a Ray Warleigh en saxo alto y flauta, Stan Sulzmann en tenor, John Parricelli en guitarra, Chris Laurence en contrabajo y Tony Levin en batería. Era un conjunto de músicos estrechamente ligados a su mundo musical, y esa familiaridad se percibe en la interacción del sexteto.
El repertorio incluye composiciones de Wheeler, Warleigh, Sulzmann, Mick Pyne y Lee Konitz. “What Was” recupera a Wheeler a los 65 años, en plena madurez: menos impetuoso que en su juventud, pero todavía intenso, imaginativo y dueño de una extraordinaria belleza sonora.


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MEDESKI, MARTIN & WOOD IT’S A JUNGLE IN HERE - New York, August 2-4, 1993 - Bemsha swing - Lively up yourself, It’s a jungle in here, Syeeda’s song flute, Wiggly’s way - Steven Bernstein (tp,flhrn) Josh Roseman (tb) Jay Rodriguez (ts,as) David Binney (as) John Medeski (org,p,el-hrn arr) Marc Ribot (g) Chris Wood (b) Billy Martin (d,perc)
Formado en 1991, Medeski, Martin & Wood encontró rápidamente una identidad propia al combinar la improvisación del jazz con la energía del funk, el soul y el hip hop. Su segundo álbum, “It’s a Jungle in Here”, grabado en Nueva York en 1993, fue decisivo en la consolidación de ese sonido que más tarde sería descrito como “avant-groove”.
John Medeski alterna piano, órgano y teclados eléctricos; Chris Wood aporta líneas de bajo flexibles y poderosas, mientras Billy Martin construye una base rítmica llena de cambios, contrastes y sorpresas. El trío no abandona la tradición, pero la utiliza con absoluta libertad. El repertorio incluye composiciones de John Coltrane y del músico nigeriano King Sunny Adé, además de una ingeniosa combinación de Bob Marley con Thelonious Monk.
El sonido del grupo se amplía con varios invitados: el trompetista Steven Bernstein, los saxofonistas Jay Rodriguez y David Binney, el trombonista Josh Roseman y el guitarrista Marc Ribot. Sus intervenciones aportan nuevos colores sin restarle protagonismo al trío.
“It’s a Jungle in Here” muestra a Medeski, Martin & Wood en plena búsqueda: irreverentes, rítmicos y capaces de tender puentes entre distintas tradiciones sin perder su originalidad.
FRANK KIMBROUGH MEANTIME - New York, December 7 & 8, 2014 - Alabama song, Twenty bars, Four by four, Last night when we were young - Frank Kimbrough (p) Andrew Zimmerman (ts) Chris van Voorst van Beest (b) R.J. Miller (d) Riley Mulherkar (tp)
Frank Kimbrough fue un pianista lírico y directo, atento a la melodía, al sonido y al valor expresivo de cada nota. Durante casi tres décadas ocupó el puesto de pianista en la orquesta de Maria Schneider y también participó en el Gil Evans Project de Ryan Truesdell. A esas experiencias se sumaron sus largas colaboraciones con el baterista Matt Wilson y el bajista Ben Allison, junto a quien integró el Jazz Composers Collective. De ese colectivo surgió también el Herbie Nichols Project, un celebrado homenaje a uno de sus pianistas favoritos.
Grabado en Nueva York en diciembre de 2014 y publicado originalmente en vinilo por Newvelle Records, “Meantime” reúne composiciones originales e interpretaciones de distintos autores. El álbum comienza con “Alabama Song”, la conocida pieza de Kurt Weill: el saxofonista Andrew Zimmerman expone la melodía con gran pureza y Kimbrough continúa con un solo intenso, pero cuidadosamente construido.
El quinteto se completa con Riley Mulherkar en trompeta, Chris van Voorst van Beest en contrabajo y R.J. Miller en batería. La música es contenida, espaciosa y profundamente colectiva, con arreglos que permiten apreciar tanto las voces individuales como la sensibilidad del conjunto.
La inesperada muerte de Kimbrough, en diciembre de 2020, dejó un enorme vacío en la comunidad jazzística de Nueva York.
LOREN STILLMAN TRIO ALTO, VOLUME 1 - New York, April, 2005 - Long ago and far away, Turn out the stars, Time remembered - Loren Stillman (as) Steve LaSpina (b) Jeff Hirshfield (d)
Nacido en Londres en 1980 y criado en Croton-on-Hudson, cerca de Nueva York, Loren Stillman comenzó muy joven su formación como saxofonista. Entre sus primeros maestros estuvieron Ted Nash, Dick Oatts y Dave Liebman, y en 2002 llegó a las semifinales del Concurso Internacional de Saxofón Thelonious Monk.
Aunque su carrera se ha concentrado principalmente en la composición original, en “Trio Alto, Volume 1” Stillman aborda el repertorio tradicional del jazz acompañado solamente por Steve LaSpina en contrabajo y Jeff Hirshfield en batería. Grabado en Nueva York en abril de 2005, el disco prescinde del piano y deja amplio espacio para el sonido claro y personal de su saxo alto.
El programa reúne clásicos como “All the Things You Are”, “What Is This Thing Called Love”, “Body and Soul” y “The Touch of Your Lips”. También incluye “Red Cross”, una pieza poco interpretada de Charlie Parker, y dos composiciones asociadas con Bill Evans: “Turn Out the Stars” y “Time Remembered”. El único original de Stillman es “The State of the World”, construido sobre una línea intensa en tonalidad menor.
LaSpina aporta un sonido amplio y solos melódicos, mientras Hirshfield sostiene al grupo con soltura y sensibilidad. Juntos consiguen renovar canciones muy conocidas sin perder su carácter esencial.


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ORRIN EVANS AND THE CAPTAIN BLACK BIG BAND WALK A MILE IN MY SHOE - New York, March 9, 2024 - Dislocation blues (pj vcl,1), Blues in the night (lf vcl), Overjoyed (lf vcl), Smoke gets in your eyes - Nicholas Payton, Sean Jones, Josh Lawrence (tp) David Gibson, Reggie Watkins (tb) Todd Bashore (as,fl) Caleb Wheeler Curtis (ts,sop) Jesse Fischer (org) Orrin Evans (p) Vicente Archer, Madison Rast (b) Anthony Tidd (el-b-1) Anwar Marshall, Mark Whitfield, II (d) Lisa Fischer, Bilal, Joanna Pascale, Paul Jost (vcl).
La selección de temas de “Walk a Mile in My Shoe”, que incluye canciones de Stevie Wonder y Marvin Gaye junto a clásicos de la era del swing, podría sugerir un disco convencional. Pero Orrin Evans lleva este material hacia un terreno muy personal, donde conviven el blues, el soul y el góspel con el jazz moderno y algunos pasajes más abiertos.
Desde “Dislocation Blues”, el piano de Evans establece el carácter del álbum con acordes cortantes, armonías inesperadas y una fuerte raíz bluesera. En esa pieza dialoga con el órgano de Jesse Fischer antes de la entrada de los metales y la voz de Paul Jost. Aunque se trata de una big band, las orquestaciones no buscan imponerse por su volumen: los instrumentos acompañan las voces, agregan colores y dejan espacio para los solistas.
Cuatro cantantes participan en la grabación. Lisa Fischer sobresale en “Overjoyed”, de Stevie Wonder, que comienza lentamente con el piano y la trompeta de Nicholas Payton. Su interpretación, contenida y atrasada del pulso, crece gradualmente junto al arreglo
.
RAY BRYANT PLAYS BASIE AND ELLINGTON - New York, February 15 & 16, 1987 - Blues for Basie (solo p), It don’t mean a thing (if it ain’t got that swing), Things ain’t what they used to be - Ray Bryant (p) Rufus Reid (b) Freddie Waits (d)
Ray Bryant en su estilo tomó elementos de distintas épocas del jazz para convertirlos en un lenguaje propio. Apoyado firmemente en el blues y el góspel, incorporaba también la riqueza armónica y la variedad rítmica del jazz moderno. Esa combinación le permitió cruzar con naturalidad las divisiones entre músicos tradicionales y modernos que todavía existían cuando comenzó a destacarse, a mediados de los años cincuenta.
Bryant utilizaba todo el teclado. Con su poderosa mano izquierda alternaba acordes contundentes, figuras de stride y líneas de boogie-woogie, mientras la derecha podía crear delicados adornos que recordaban a su primer ídolo, Art Tatum. Todo estaba ejecutado con impecable sentido musical y un swing constante.
Grabado en Nueva York en febrero de 1987, “Plays Basie and Ellington” fue su primer álbum en siete años. Lo acompañan Rufus Reid en contrabajo y Freddie Waits en batería. El repertorio reúne piezas vinculadas a Count Basie, una composición original titulada “Blues for Basie” y varias obras de Duke Ellington.
Bryant no intenta imitar a ninguno de los dos grandes directores. Lleva su música al formato de trío y la adapta a su propia personalidad. El resultado es un homenaje cálido y directo, lleno de blues, elegancia y ritmo, que demuestra por qué su aparente sencillez nunca debe confundirse con falta de profundidad.

RAVI COLTRANE SPIRIT FICTION - New York, December 20-22, 2011 - Spirit fiction (1,2,3), Cross roads (1,2,3,5), Check out time (4,6,), Fantasm (jg,eh,ra out,4,6) - Ralph Alessi (tp-4) Ravi Coltrane (ts,sop-5) Joe Lovano (ts-6) Luis Perdomo (p-1) Geri Allen (p-4) Drew Gress (b-2) James Genus (b-4) E.J. Strickland (d-3) Eric Harland (d-4)
Ravi Coltrane ha desarrollado una voz propia en los saxos tenor y soprano, sin desconocer la herencia de sus padres, John y Alice Coltrane. En “Spirit Fiction”, grabado entre 2010 y 2011, demuestra que puede dialogar abiertamente con esa tradición sin quedar atrapado en ella.
El álbum incluye dos grupos. En uno participan el pianista Luis Perdomo, el contrabajista Drew Gress y el baterista E.J. Strickland; en el otro, la pianista Geri Allen, el trompetista Ralph Alessi, el contrabajista James Genus y el baterista Eric Harland. Joe Lovano se suma en dos piezas. “Check Out Time”, de Ornette Coleman, y en “Fantasm”, de Paul Motian, esta última en un formato íntimo junto a Geri Allen.
En el tema que da título al álbum, Coltrane construye una melodía pausada y casi devocional, aunque atravesada por cierta inquietud. Esa mezcla de lirismo y tensión es una de las principales características de su música.



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CHRISTIAN SCOTT REWIND THAT - New York ?, c. 2005 - Rewind That, So what, Rejection - Christian Scott (tp) Donald Harrison, Jr. (as) Walter Smith, III (ts) Zaccai Curtis (p,el-p) Matt Stevens (g) Luques Curtis (b) Thomas Pridgen (d)
Christian Scott tenía apenas 22 años cuando grabó “Rewind That”, su primer disco para un sello importante. Desde el comienzo revela una clara influencia de Miles Davis, especialmente del período eléctrico: un sonido de trompeta oscuro y melancólico, frases breves y espaciosas, y melodías que avanzan sobre ritmos repetitivos cercanos al jazz-rock.
Scott compuso nueve de los once temas y organizó la música alrededor de los fuertes patrones rítmicos del baterista Thomas Pridgen, el bajo de Luques Curtis y la guitarra eléctrica de Matt Stevens.
Participan en el disco dos excelentes saxofonistas. Walter Smith III, quien aporta solos de gran claridad y sentido melódico, y Donald Harrison, antiguo maestro de Scott en Nueva Orleans, interviene con una nueva versión de “So What”, la célebre composición de Miles Davis. Zaccai Curtis completa el grupo en piano y teclado eléctrico.
CHRIS TORDINI TRIO MIDNIGHT SUN - New York, May 9 & 10, 2016 - What Reason Could I give?, If I Should Lose You, My Funny Valentine, Everything Happens to Me, Peace - Greg Ruggiero (g) Chris Tordini (b) Becca Stevens (vcl)
En “Midnight Sun”, el contrabajista Chris Tordini forma un trío poco habitual junto a la cantante Becca Stevens y el guitarrista Greg Ruggiero. El programa está dedicado principalmente a estándares, enmarcados al comienzo y al final por dos composiciones de Ornette Coleman.
Los tres están vinculados a la escena neoyorquina y poseen una amplia experiencia en distintos terrenos. Tordini se mueve con igual soltura entre la improvisación libre, la fusión y el jazz tradicional; Ruggiero aporta una presencia discreta y segura; y Stevens combina el jazz con influencias del folk y la música popular, además de haber colaborado con artistas como David Crosby y Brad Mehldau.
La instrumentación de “Midnight Sun” mantiene la música abierta y transparente. No hay batería ni piano, y los arreglos evitan adornos innecesarios: la guitarra de Ruggiero establece la armonía, el contrabajo de Tordini sostiene y comenta las líneas melódicas, mientras la voz de Stevens funciona como un tercer instrumento. Su canto es flexible y expresivo y, al mismo tiempo, aventurarse con naturalidad en la improvisación.
LEW TABACKIN TRIO SOUNDSCAPES - New York, March 20, April 20, 2014 & April 20, 2015 - Afternoon in Paris, Yesterdays - Lew Tabackin (ts,fl) Boris Kozlov (b) Mark Taylor (d)
Lew Tabackin es uno de los grandes saxofonistas tenores de su generación y, al mismo tiempo, una figura importante dentro de la tradición de la flauta en el jazz. En “Soundscapes”, publicado en 2015, dirige un trío sin piano junto al contrabajista Boris Kozlov y el baterista Mark Taylor.
Son compañeros de larga trayectoria. Taylor forma parte del grupo desde 1982, mientras Kozlov, conocido por su trabajo con la Mingus Big Band, comenzó a tocar regularmente con Tabackin en 2000. Esa familiaridad permite que el trío se mueva con libertad y mantenga una conversación constante, sin necesidad de un instrumento armónico.
En el saxo tenor, Tabackin conserva su sonido amplio, robusto y profundamente ligado al hard bop. En la flauta muestra otra personalidad: más ligera pero también utiliza vibratos intensos, notas ásperas y sonidos casi vocales.
Durante tres décadas, Tabackin fue una figura central de la orquesta que codirigió con Toshiko Akiyoshi, con quien grabó más de veinte discos. También trabajó con la Thad Jones–Mel Lewis Orchestra, Freddie Hubbard y Clark Terry, entre muchos otros. “Soundscapes” confirma la fuerza y originalidad que mantiene tanto en el tenor como en la flauta.


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