PuroJazz

FRED JACKSON HOOTIN’ AND TOOTIN’ - Englewood Cliffs, N.J., February 5, 1962 - Dippin’ in the bag, That’s where it’s at, Hootin’ and tootin’ - Fred Jackson (ts) Earl Van Dyke (p,org) Willie Jones (g) Wilbert Granville T. Hogan (d)
Durante los años cincuenta y sesenta, muchas orquestas de rhythm & blues y rock & roll usaban músicos con sólida formación jazzística, para quienes ganarse la vida era prioridad. Pero de vez en cuando una jam session les daba espacio para soltarse. No era común que los líderes —más enfocados en el acompañamiento directo— les permitieran improvisar o ir mucho más allá. Recién cuando las compañías discográficas empezaron a fijarse en ellos —a veces por recomendación de músicos de jazz ya consolidados— el mundo del jazz comenzó a notar esa atractiva mezcla de oficio y sabor musical.
Fred Jackson, quien tocó con Little Richard, Lloyd Price y B.B. King, encarnaba bien ese perfil: un saxofonista con raíces en el R&B pero con fuerte orientación jazzística. Su nombre empezó a circular con más fuerza cuando participó en una sesión en el estudio de Rudy Van Gelder en Nueva Jersey, junto al organista Baby Face Willette, en el electrizante álbum Face to Face (1961). A partir de ahí, Alfred Lion, interesado en expandir el catálogo soul jazz de Blue Note Records, decidió darle la oportunidad de grabar como líder. El resultado fue Hootin’ ’n Tootin’.
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MICHAEL WOLLNY TRIO LIVING GHOSTS - Illingen, April 19, 2024 - Nacht - Rufe in der horchenden nacht - Michael Wollny (p) Tim Lefebvre (b) Eric Schaefer (d)
El atractivo del álbum Living Ghosts o fantasmas vivientes no está tanto en el repertorio como en la forma en que este se articula. Uno de los pianistas más distintivos del jazz europeo actual, Michael Wollny, grabó este álbum en vivo junto a sus compañeros habituales: el contrabajista Tim Lefebvre y el baterista Eric Schaefer.
El registro captura una única noche de la primavera de 2024, en la que el trío tocó guiado casi por completo por la intuición, siguiendo apenas aspectos cambiantes de sus propias composiciones. A lo largo del concierto, fragmentos reconocibles de su repertorio aparecen y desaparecen de forma inesperada: a veces como destellos breves, otras como puntos de partida para desarrollos más amplios. Esos “fantasmas” del pasado se reconfiguran en tiempo real, en un proceso que refleja la complicidad del trío y su manera de dialogar constantemente con su propia historia musical.
JOHN COLTRANE GROUP LIVE “VILLAGE VANGUARD”
- New York, November 2, 1961 - India (1,2) - Garvin Bushell (oboe1,contrabassoon1) John Coltrane (sop,ts) Eric Dolphy (as,bcl) McCoy Tyner (p) Reggie Workman (b) Jimmy Garrison
- New York, November 3, 1961 - Greensleeves - John Coltrane (ts,sop) McCoy Tyner (p) Reggie Workman (b) Elvin Jones (d)
Durante cuatro noches de noviembre de 1961, en el histórico Village Vanguard, en pleno Greenwich Village, John Coltrane y su cuarteto registraron 22 interpretaciones que hoy son consideradas fundamentales.
En ese momento, Coltrane aún estaba afinando el formato de su grupo, explorando combinaciones de timbres y voicings que le permitieran alcanzar la intensidad expresiva que tenía en mente. The Complete Village Vanguard Recordings reúne por primera vez este material completo y en orden de interpretación en vinilo. El box set de siete LP —más de cuatro horas de música— documenta un punto clave en su evolución, con su cuarteto clásico: McCoy Tyner, Jimmy Garrison y Elvin Jones, junto a invitados como Eric Dolphy y Reggie Workman.



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LARRY YOUNG MOTHER SHIP - Englewood Cliffs, N.J., February 7, 1969 - Street scene, Visions - Lee Morgan (tp) Herbert Morgan (ts) Larry Young (org) Eddie Gladden (d)
Grabado en 1969 pero editado recién en 1980, Mother Ship marca el cierre de la etapa de Larry Young en Blue Note y resume su aporte a la expansión del órgano Hammond B3 más allá del soul jazz convencional. Al frente de un cuarteto con Lee Morgan (trompeta), Herbert Morgan (saxo tenor) y Eddie Gladden (batería), Young presenta cinco composiciones propias que se mueven entre el post-bop, el groove y la exploración abierta.
El disco combina desde el pulso funky y aire latino , hasta las texturas más libres y espaciales. Hay una energía constante, casi descontrolada, donde el órgano de Young empuja al grupo hacia terrenos del free.
Lee Morgan aporta flexibilidad y se aleja del hard bop más clásico, mientras Gladden sostiene con soltura estructuras complejas y cambiantes. El resultado es un álbum dinámico, original que confirma a Young como una figura clave en la evolución del instrumento.
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MARIA SCHNEIDER ORCHESTRA AMERICAN CROW - Power Station, New York Mayo 26, 2025 American Crow, American Crow revisited - Maria Schneider (comp/dir); Steve Wilson, (sa,ss, fl); Dave Pietro (sa, cl, piccolo); Rich Perry, John Ellis (st); Scott Robinson (cl: bari, bajo, contrabajo); Tony Kadleck, Greg Gisbert, Nadje Noordhuis, Mike Rodriguez, (t); Keith O’Quinn, Ryan Keberle, Marshal Gilkes, (tbn); George Flynn (tbn: bajo y contrabajo); Julien Labros, (acor); Jeff Miles (g); Gary Versace (p); Jay Anderson (b); Johnathan Blake (dr)
Hay algo muy especial en cómo Maria Schneider arma sus historias musicales.
La pieza central de su obra American Crow -cuervo americano- juega con un contraste claro entre momentos de tensión y otros más calmos. Arranca con fuerza —los metales sugieren el graznido de los cuervos— y de a poco se abre hacia un clima más introspectivo, donde la trompeta de Mike Rodriguez aporta una gran carga expresiva. Se nota cómo Schneider escribe pensando en sus músicos, dejando que cada voz sume al sonido del conjunto.
El desarrollo fluye con naturalidad: la orquesta gana densidad y energía, sostenida con pulso firme por el baterista Johnathan Blake, hasta llegar a un final casi en suspenso, muy sutil. El EP de 30 minutos concluye con una nueva versión de “A World Lost”, con estupendos aportes de la guitarra de Jeff Miles y el acordeón de Julien Labro.
Maria Schneider Orchestra: Steve Wilson, (sa,ss, fl); Dave Pietro (sa, cl, piccolo); Rich Perry, John Ellis (st); Scott Robinson (clarinetes bari, bajo,contrabajo); Tony Kadleck, Greg Gisbert, Nadje Noordhuis, Mike Rodriguez, (t); Keith O’Quinn, Ryan Keberle, Marshal Gilkes, (tbn); George Flynn (tbn bajo y contrabajo); Julien Labros, accordion; Jeff Miles (g); Gary Versace (p); Jay Anderson (b); Johnathan Blake (dr)
WOODY SHAW IMAGINATION - Englewood Cliffs, N.J., June 24, 1987 - If I were a bell, Stormy weather, Steve’s blues - Woody Shaw (tp) Steve Turre (tb) Kirk Lightsey (p) Ray Drummond (b) Carl Allen (d)
Imagination (1987) es un álbum que encuentra al trompetista Woody Shaw al frente de un sólido quinteto con Steve Turre (trombón), Kirk Lightsey (piano), Ray Drummond (contrabajo) y Carl Allen (batería). Sería su última grabación como líder.
El repertorio combina, en su mayoría, estándares abordados desde un hard bop ágil y bien articulado, junto a algunos momentos más líricos. Piezas como “Imagination” y “Stormy Weather” destacan por su carácter introspectivo, con un Shaw de sonido nítido y fraseo emotivo; en esta última, el uso del plunger por parte de Turre aporta un diálogo casi vocal.
Lightsey, Drummond y Allen sostienen e impulsan el conjunto con solidez, mientras “Steve’s Blues” cierra el disco reafirmando su pulso hard bop.



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LISA HILTON EXTENDED DAYDREAM - c. 2025-So what, It’s just for now, Seabirds, Wildflower - Igmar Thomas (tp) JD Allen (ts) Lisa Hilton (p,comp) Luques Curtis (b) Rudy Royston (d)
La pianista californiana Lisa Hilton en su disco Extended Daydream* evoca el luminoso clima de su estado con un enfoque relajado, en el que actualiza con soltura el formato clásico de pequeño ensamble liderado desde el piano. Su formación inicial, entre lo autodidacta en lo musical y lo visual, se percibe en un trabajo que avanza más por atmósferas y colores que por gestos enfáticos.
El grupo —con J.D. Allen en tenor, Igmar Thomas trompeta, Luques Curtis bajo y Rudy Royston batería— funciona como un colectivo bien afiatado. El repertorio, mayormente original, se mueve en un registro reflexivo pero variado. En “So What”, el clásico de Miles Davis, Hilton le deja espacio a Curtis para que marque el pulso con soltura para que luego Thomas desarrolle la melodía modal con naturalidad.
“Wildflower”, de Billie Eilish, lo adapta con fluidez al lenguaje jazzístico, apoyada en la interacción del grupo. En conjunto, un disco de climas bien trabajados, sin excesos y con una identidad clara.
PATRICK ZIMMERLI BOOK OF DREAMS - New York, June 11 & 12, 2019 - Algo mas, 60 Morningside, Crow or dove - Patrick Zimmerli (sop,ts) Kevin Hays (p) Satoshi Takeishi (d)
El saxofonista y compositor Patrick Zimmerli reúne en *Book of Dreams* un conjunto de piezas originales y arreglos de estándares que, como sugiere la crítica de DownBeat, destacan tanto por su lirismo como por su exigencia técnica. Se trata de materiales escritos a lo largo de casi dos décadas, en paralelo a su trabajo principal como autor de obras de gran formato.
Zimmerli fue reuniendo estas ideas en un archivo al que llamó precisamente *Book of Dreams*, entendiendo estas composiciones como “regalos” del inconsciente. El resultado es un repertorio íntimo y concentrado, donde la improvisación dialoga con una escritura refinada.
Junto a Zimmerli en saxo soprano y tenor, están Kevin Hays en piano y Satoshi Takeishi en batería, en un formato de trío que privilegia la sutileza y la interacción. Más que una muestra de virtuosismo, el disco revela una faceta introspectiva y profundamente creativa.
PREMAZZI-NASSER QUARTET FROM WHAT I RECALL - May 30th, 2024, New York, NY - Iacchus, Stalking, From what - Kyle Nasser (saxes) Simona Premazzi (p) Noah Garabedian (b) Jay Sawyer (d)
La pianista italiana Simona Premazzi y el saxofonista bostoniano Kyle Nasser se conocieron en Nueva York y, tras años de colaboración, consolidaron en 2021 un cuarteto junto a Noah Garabedian en el contrabajo y Jay Sawyer en la batería. Además de presentarse en giras internacionales, coprodujeron *From What I Recall*, su álbum debut.
Premazzi define su escritura como “contrapuntual, abierta al contraste y a la tensión y liberación”, una idea que atraviesa todo el disco. La música se mueve en una intensidad contenida, donde destaca el diálogo entre ambos compositores. Una de las piezas de Premazzi arranca como una vertiginosa persecución entre piano y saxofón, para luego asentarse en un pulso más calmo y una sección introspectiva.
El cierre llega con “Scamander”, de Nasser, que comienza con un clima sereno y controlado. A partir de ahí, la melodía se pone tortuosa en interacción con el piano, antes de abrirse hacia un pasaje más lírico liderado por Premazzi, mientras el saxofón desarrolla una línea modal extensa que crece de forma gradual y se disipa con la misma sutileza.


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Este será el quinto y último programa dedicado a Sonny Rollins con actuaciones en vivo más recientes que suelen superar en intensidad y creatividad a sus grabaciones de estudio.
SONNY ROLLINS - WITHOUT A SONG (THE 9/11 CONCERT) - Berklee Performance Center, Boston, MA, September 15, 2001 - Without a song, Global warming - Clifton Anderson (tb) Sonny Rollins (ts) Stephen Scott (p,kalimba1) Bob Cranshaw (elb) Perry Wilson (d) Kimati Dinizulu (cga,perc)
El martes 11 de septiembre, Sonny se encontraba en su departamento a seis cuadras del World Trade Center, las torres gemelas- donde quedó atrapado hasta la noche siguiente, cuando efectivos de la Guardia Nacional llegaron para evacuarlo.
Rollins tenía programado desde mucho antes un concierto en Boston para el 15 de septiembre, y decidió que no lo cancelaría y debía continuar. “Era lo mejor que podíamos hacer”, dijo Sonny, “y además, para algunas personas fue beneficioso escucharnos tocar justo después de lo ocurrido”.
Aquella noche ofreció una de las interpretaciones más inspiradas de su carrera: sabía que debía hacerlo. La grabación del concierto se publicaría posteriormente bajo el título “Without a Song: The 9/11 Concert”.
SONNY ROLLINS ROAD SHOWS, VOL. 2 - Beacon Theatre, New York, September 10, 2010 - Sonnymoon For Two, St Thomas - Ornette Coleman (as) Sonny Rollins (ts) Christian McBride (b) Roy Haynes (d) Bob Cranshaw (b) Kobie Watkins (d) Sammy Figueroa (perc)
Carl Smith, un fanático seguido de Rollins, comenzó a grabar sus conciertos subrepticiamente. Diseñó un ingenioso sistema con diminutos micrófonos ocultos y un pequeño grabador DAT. Compraba entradas en segunda fila él y sus amigos y les pedía que no aplaudieran, de esta manera los micrófonos captaran el sonido directo de los instrumentos y no el de la amplificación de la sala.
Irónicamente, el mayor obstáculo para su iniciativa fue Lucille Rollins, su esposa y representante. Cuando descubrió las grabaciones, reaccionó con ira y advirtió a Smith si volvía a intentarlo sería expulsado.
Sin embargo, tiempo después de la muerte de Lucille, Rollins revisó el archivo reunido por Smith y decidió trabajar con ese material. De ese proceso surgió la serie Road Shows, una colección de grabaciones en vivo inéditas publicadas por Doxy Records, el sello creado por el propio Rollins. Para mantener el proyecto activo, Rollins decidió incorporar al ingeniero de sonido Richard Corsello a sus giras; su tarea consistía en revisar meses de conciertos y seleccionar las interpretaciones más logradas, que son además las grabaciones que usé para todo este programa.
El 10 de septiembre de 2010, Sonny Rollins celebró su 80 cumpleaños con un concierto histórico en el Beacon Theatre de Manhattan. Durante casi dos horas, acompañado por Bob Cranshaw, Russell Malone, Kobie Watkins y Sammy Figueroa, Rollins desplegó un sonido pleno y sin restricciones, demostrando que su genio estaba intacto.
El concierto fue una actuación de dos horas en el Beacon Theatre del Upper West Side de Manhattan, que eclipsó sus propias considerables expectativas. La celebración del 80° cumpleaños de Rollins en el Beacon fue el evento jazzístico del año.
Los músicos en escena.
Durante gran parte de la noche, Rollins actuó con un ensamble que incluía a Bob Cranshaw (bajo), Russell Malone (guitarra), Kobie Watkins (batería) y Sammy Figueroa (percusión). El guitarrista Jim Hall. Roy Hargrove añadió trompeta en varios momentos, y todos estos músicos convergieron en el escenario para el encore con la composición más conocida de Rollins, “St. Thomas”.
Sin duda, el punto culminante de la noche fue una sorpresa mayúscula. Rollins no supo si Coleman iba a actuar en el Beacon hasta el último momento, por lo que no hubo ensayo previo. Él lo introdujo en mitad de una ya apasionante interpretación del blues “Sonnymoon for Two”, con Roy Haynes y Christian McBride.
Ornette Coleman salió al escenario y el lugar enloqueció: todos de pie, gritando y aclamando. Coleman soloist, luego él y Sonny intercambiaron frases, lo que llevó a Rollins a un lugar más libre que en cualquier otro momento del espectáculo.
Ese momento fue también la primera colaboración en vivo de Sonny y Ornette Coleman, quienes eran mutuos admiradores e influencias recíprocas. No solo Sonny no sabía que Ornette saldría hasta que lo hizo — fue un instante de comunión espiritual entre dos gigantes de la improvisación.
“Sonnymoon for Two” — la pieza central
La pieza, de casi 22 minutos, fue el centro del concierto: no tanto un duelo como una inspirada conversación paralela entre dos de los saxofonistas más influyentes del jazz. Rollins la eligió pensando en Coleman, pues “el blues sería lo suficientemente abierto para que Ornette hiciera lo que quisiera”.
Sonny Rollins permaneció en el escenario durante casi dos horas a los ochenta años. Su sonido fue impresionante, pleno y sin restricciones. Un asistente comentó que tocó casi dos horas sin parar, con el saxofón fuera de su boca apenas diez minutos en total.
El legado del concierto
El concierto fue filmado por Dick Fontaine para el documental Sonny Rollins: Beyond the Notes, y la actuación completa de “Sonnymoon for Two” fue publicada en el álbum Road Shows, Vol. 2.
En resumen, fue una noche irrepetible: dos leyendas octogenarias del jazz tocando juntas en público por primera y única vez, rodeadas de algunos de los mejores músicos del género. Una velada que quedó grabada en la historia del jazz.​​​​​​​​​​​​​​​​




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JON IRABAGON / PETER BRENDLER TWO-PART INVENTIONS - Brooklyn, NY, August 8, 2024 - Turn out the stars, Joshua, Maiden voyage - Jon Irabagon (ts) Peter Brendler (b)
TwoPart Inventions es un álbum surge como un residuo de la pandemia. Durante ese período, el contrabajista Peter Brendler intensificó su práctica, en gran medida como una forma de mantener el equilibrio personal. Se dedicó de lleno a la música e intentó recrear en su casa lo que más extrañaba: la interacción con otros intérpretes. Esa ausencia lo llevó a explorar la ejecución simultánea de múltiples líneas en el contrabajo, desarrollando así una mayor soltura en formatos más reducidos, como el solo y el dúo.
Su vínculo con el saxofonista Jon Irabagon se remonta a 25 años de colaboraciones y numerosos conciertos compartidos, además de una grabación previa junto a Barry Altschul. Interesado desde siempre en el formato de dúo, encontró en esta asociación el espacio ideal para una propuesta especialmente lograda. En ese contexto, la exigencia se combina con una notable flexibilidad, en una dinámica que él mismo compara con conducir una moto en lugar de un auto.
Durante la selección del repertorio para el disco TwoPart Inventions, se centraron en estándares escritos por pianistas. El desafío armónico del formato resultó particularmente estimulante, y el resultado final marca, posiblemente, el inicio de una serie de futuras grabaciones en dúo.
BRIAN MARSELLA BAGATELLE VOL. 6 - New York, 2021 - Bagatelle #119, #149, #266, #153 - Brian Marsella (p) Trevor Dunn (b) Kenny Wollesen (d) John Zorn (comp)
Bagatelles Vol. 6 de John Zorn, interpretado por el trío del pianista Brian Marsella, es posiblemente una de las entregas más logradas de esta extensa serie. Publicada inicialmente en 2021 dentro de una caja de cuatro discos y editada por separado en 2026, el álbum destaca por la notable compenetración entre Marsella, el contrabajista Trevor Dunn y el baterista Kenny Wollesen.
Marsella se mueve con soltura dentro de un lenguaje exigente, abordando las composiciones de Zorn —de líneas angulares y a menudo cercanas a la atonalidad— con una combinación de precisión y lirismo. En medio de estas estructuras, surgen pasajes más simples, como valses o baladas, que el trío desarrolla con especial sensibilidad.
Fiel al espíritu de la serie, las piezas sirven como punto de partida para improvisar y se van abriendo hacia terrenos más libres y guiños al cromatismo de Alexander Scriabin.
HENRY THREADGILL’S ZOOID POOF - Astoria, NY, December 15 & 16, 2019 - Come and go, Poof, Now and then - Henry Threadgill (as,fl,bfl,comp) Liberty Ellman (g) Christopher Hoffman (cello) Jose Davila (tu,tb) Elliot Humberto Kavee (d)
Poof, una nueva obra del compositor, saxofonista y flautista Henry Threadgill junto a su grupo Zooid, su principal laboratorio musical durante las últimas dos décadas. Su disco anterior, In for a Penny, In for a Pound, obtuvo el Pulitzer Prize for Music en 2016, se destaca por su originalidad y por la manera en que integra escritura e improvisación en una textura sonora que evoca la complejidad de la vida contemporánea.
Con Poof, Threadgill retoma el trabajo de Zooid, el conjunto más longevo de su extensa trayectoria. La banda —Liberty Ellman en guitarra, Christopher Hoffman en cello, José Dávila en tuba y Elliot Humberto Kavee en batería, junto al propio Threadgill en saxo alto y flautas— suma en conjunto 75 años de colaboración con el líder. Grupo que tuve el privilegio de escuchar en un concierto organizado por la AACM Asociación para el Avance de Músicos Creativosen Nueva York.
Las composiciones del álbum, explica Threadgill, están concebidas como sonatas o conciertos de cámara: “Come and Go” para saxofón y cello; “Poof” para saxofón y guitarra; “Beneath the Bottom” para trombón; “Happenstance” para flauta y batería; y “Now and Then” para tuba y guitarra.


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