PuroJazz

RALPH MOORE “IMAGES” - Englewood Cliffs, N.J., December 15 & 17, 1988 - Freeway, Enigma (tb out), This I dig of you - Terence Blanchard (tp) Ralph Moore (ts) Benny Green (p) Peter Washington (b) Kenny Washington (d)
Ralph Moore, nacido en Inglaterra, ha vivido en EE. UU. desde 1970, es un saxofonista tenor influenciado por John Coltrane, pero que posee un tono ligeramente más suave. Asistió a Berklee, se mudó a Nueva York en 1981 y trabajó con músicos del nivel de Horace Silver, Roy Haynes, Dizzy Gillespie, Freddie Hubbard, Jimmy Knepper, Bobby Hutcherson y Kenny Barron. Debutó como líder en 1985 para Reservoir, grabó varios buenos álbumes para Landmark, Criss Cross, Savoy y realizó extensas giras con J.J. Johnson, y en 1995, se unió a la Tonight Show Orchestra en Los Ángeles, donde permaneció durante 15 años, ahora está de vuelta tocando jazz, Los Ángeles sigue siendo su base.
El material y la alineación del trompetista Terence Blanchard, el pianista Benny Green, el bajista Peter Washington y el baterista Kenny Washington) hacen de este un disco particularmente agradable. Aunque todavía mostraba la inspiración (en el sonido) de John Coltrane de principios de los 60, Moore había desarrollado un estilo cada vez más original dentro de la corriente principal moderna a lo largo de la década de 1980. Los aspectos más destacados incluyen a J.J. “Enigma” de Johnson, “This I Dig of You” de Hank Mobley y “Blues for John” de Moore (escrito en homenaje a Coltrane).
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NADJE NOORDHIUS “FULL CIRCLE” - New York, March 31, 2022 - Little Dance, Entwine, Full Circle - Nadje Noordhuis (fl / t) Fred Hersch (p) Thomas Morgan (b) Rudy Royston (dr)
El sonido de Nadje Noordhuis en la trompeta y el fliscorno es puro, único e inconfundible. FULL CIRCLE presenta composiciones originales y una increíble formación de Fred Hersch en piano, Thomas Morgan y Rudy Royston en bajo y batería, una banda que ofrece una clase magistral de tono, claridad y precisión. Estos artistas no necesitan presentación, pero es una revelación escucharlos en este contexto. Noordhuis escribió la mayor parte de la música con este conjunto particular en mente y se nota. La generosidad de espíritu y la naturalidad en su forma de tocar y escribir brilla positivamente.
El segundo día de esta sesión se reunieron para repasar la mezcla. Nadje comentó que había algo en uno de sus solos que quería arreglar. Algo que le llamó la atención cuando estaba “escuchando la sesión”. Lo Había revisado de su memoria, porque la cinta aun no estaba disponible.
THELONIOUS MONK “THE CLASSIC QUARTET” - TBS, TV Broadcast, Tokyo, Japan, May 23, 1963 - Evidence, Bolivar blues, Just a gigolo (tm solo) - Charlie Rouse (ts) Thelonious Monk (p) Butch Warren (b) Frankie Dunlop (d)
El audio de un programa de televisión que Thelonious Monk grabó en Tokio durante su gira de 1963 por Japón, The Classic Quartet presenta a Charlie Rouse en tenor, Butch Warren en bajo y y el el minimalista magistral Frankie Dunlop en la batería, ofreciendo un set-list bastante estándar de Monk de la época. Comienza con “Epistrophy”, seguida de una rara versión en vivo de “Bolivar Blues”. El sonido es muy bueno, con la batería y el bajo más alto en la mezcla de lo habitual, lo que le da al conjunto un toque especial, y Rouse, quizás el colaborador musical más comprensivo de Monk, está en buena forma. Lo más destacado es el lugar en solitario de Monk en “Just a Gigolo”, donde sus líneas angulares y disonantes de piano reestructuran y vuelven a ensamblar la melodía en una mini obra maestra, delicada y conmovedora, que demuestra la extraña habilidad de Monk para adaptar los estándares a su propio espacio excéntrico.


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JACKIE MCLEAN “NEW SOIL” - Hackensack, NJ, May 2, 1959 - Minor apprehension, Greasy - Donald Byrd (tp) Jackie McLean (as) Walter Davis, Jr. (p) Paul Chambers (b) Pete La Roca (d)
No fue la primera sesión que Jackie McLean grabó para Blue Note, pero fue la primera en que los primeros indicios de McLean de ir más allá de los límites del bop ya son evidentes. Son sutiles, por supuesto, y no son tan pronunciados como lo serían dentro de unos años. Su interpretación es solo un toque más angular de lo que se espera de él. La influencia de Ornette Coleman es más evidente en “Minor Apprehenssion” de McLean, donde el tema principal es libre al estilo de Coleman y paralelo al del trompetista Donald Byrd y una venia definitiva a Don Cherry. Además, el baterista Pete LaRoca toma un solo sorprendentemente libre hacia el final de la pista. No hay pulso constante, no hay referencia a la forma de 32 compases, solo una impresión de la melodía, usando el ritmo y el sonido para transmitir esa impresión. Podría ser el primer solo de batería grabado en tomar tales libertades, lo que hace que el solo, en efecto, sea uno de los primeros ejemplos grabados de jazz libre. Lo más importante es que el solo suena genial y es convincente, 63 años después de que se grabara.
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AHMAD JAMAL “EMERALD CITY NIGHTS - LIVE AT THE PENTHOUSE” - Seattle, WA March 25, 1965 - Feeling good - Ahmad Jamal (p) Jamil Nasser (b) Chuck Lampkin (d) - Seattle, WA September 22, 1966 - Poinciana, Whisper not - Ahmad Jamal (p) Jamil Nasser (b) Frank Gant (d)
Los dos volúmenes de Emerald City Nights de Ahmad Jamal provienen de cintas del pianista a lo largo de cuatro años de actuaciones en el club Penthouse de Seattle con cuatro grupos diferentes. La variación entre los dos álbumes muestra el sentido cada vez mayor de la dirección de la banda a lo largo de esos años. Hacen hincapié en algunos de los estándares reconocibles que ayudaron a establecer sus credenciales. Por ejemplo la versión de “Feelin’ Good”. La toma de Jamal, es casi irreconocible al principio, la conduce con una marcha lenta a medio ritmo de Jamil Nasser (b) y Chuck Lampkin (d). Jamal juega, repitiendo la melodía y, después de llegar a un poderoso climax, la banda hace un fade out natural, que nos deja con ganas de oír más. También está su clásico “Poinciana” aunque no incluye al baterista Vernel Fournier, quien diseñó el reconocible pulso que hizo que esa versión se convirtiera en un gran éxito, aunque el enfoque de Lampkin es un tanto diferente, pero la influencia es Fournier es evidente.
JUAN PABLO SALVO URZÚA ¨JUAN PABLO SALVO BIG BAND¨ - Santiago (?) ca 2021 - Xdd, Vidas de pasticina, Parque San Borja, Vértigo - Juan Pablo Salvo y big band.
Juan Pablo Salvo Urzúa inició su carrera de trompetista a los 13 años. SU debut en el estudio como líder lo hizo con “Mensaje”, que publicó a los 18 años que incluye la suite “Elementos”, un arreglo para quinteto de la canción “Run Run se fue pal norte”, de Violeta Parra. Desde entonces, ha colaborado con Ángel Parra Trío, Nélson Oliva Quinteto y el grupo Cómo Asesinar a Felipes. El 2021 recibió el premio Pulsar como Mejor Artista de Jazz.
¨Juan Pablo Salvo Big Band¨ es su nuevo álbum que reúne a músicos de diversas generaciones. Es un trabajo que se basa en las raíces musicales de Salvo y la importancia que tuvo participar en la Conchalí Big Band en su formación musical.
Juan Pablo Salvo y big band: Trompetas: Juan Pablo Salvo, Diego Oyarzun, Italo viveros, Nicolas Astorga; Trombones: José Moraga, Alfredo Tauber, Marcelo Maldonado, Pablo James; Saxofones: David Espinoza (sa+ fl) César Vidal (sa) Francisco Vega (st)
Isaías Zamorano (st/ss) Pablo Jara (bari); Ritmo: Camilo Aliaga (p) Felipe Ovalle (b) Edzon Maqueira (dr)
Invitados: Agustín Moya (st - 1), Felipe Vakuno Sama (p -2) y Luciano Gonzales (b el -3)


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“Filin” recoge la búsqueda de la saxofonista de nuevos sonidos.
El jazz nació en Estados Unidos, pero no por eso se mantuvo ahí. Sus posibilidades como un género innovador, que se basa en la continua experimentación, permiten que sea la inspiración de experiencias sonoras de distintas partes del mundo. Ejemplo de ello fue el “filin”.
Proveniente de la palabra en inglés feeling ––en español, sentimiento––, este estilo musical surge a mediados del siglo XX en Cuba cuando los compositores y los intérpretes se plantearon experimentar con el bolero a través de giros melódicos. Una armonía enriquecida que se vio influenciada por el jazz norteamericano y que combinó con un claro vínculo a lo lírico y la emocionalidad.
“Es un repertorio que estoy tratando de traer a la luz de nuevo”, adelanta Melissa Aldana (1988), la saxofonista tenor nacional que desde 2010 se encuentra radicada en Nueva York, acerca de su nuevo proyecto musical. Inspirada por esta tradición del filin cubano y la esencia del jazz contemporáneo, la reconocida intérprete nominada al Grammy en 2020 estrenará este viernes su tercer disco junto al célebre sello Blue Note, bajo el nombre de “Filin”.
Aldana continúa las líneas de experimentación del jazz al presentar este trabajo que aborda la balada a través del filin, que resulta en un estándar melódico profundamente significativo. “Lo tenía planeado hace mucho tiempo. Tenía ganas de hacerlo. Este disco lo empecé a proyectar el año pasado y lo grabamos en abril”, confiesa. El álbum contiene ocho pistas que son acompañadas de las interpretaciones del pianista Gonzalo Rubalcaba, el bajista Peter Washington y el baterista Kush Abadey, además de la participación especial de la vocalista Cécile McLorin Salvant.
“Sentí la ansiedad de grabar este disco como forma de explorar más profundamente mi sonido y en lo que yo quiero tocar como artista”, afirma la artista. “Tocar baladas para un saxofonista, a un tiempo lento, es súper revelador de cierta manera, porque se trata de cosas que no tienen necesariamente que ver con la técnica”, agrega sobre enfrentarse a un nuevo ritmo.
Aunque distinto a sus otros trabajos, “Filin” continúa la orientación artística que Aldana ha mantenido a lo largo de su carrera desde un punto más libre y auténtico. “Mi sonido viene de un lugar muy honesto, que está fundado en la tradición e historia de la música, pero también de un enfoque personal. Creo que es una de las cosas que siempre han estado en la música que hago. Todo está muy conectado”.
En cuarteto
Dentro de una extensa agenda de conciertos que tiene preparados para este primer semestre, Melissa Aldana aterrizará en el país tres días después del lanzamiento de su nuevo álbum, este lunes 16 de febrero. “Para mí, siempre es muy lindo volver a Chile, regresar a casa y poder presentar mi trabajo. A pesar de que yo sé que hay gente que no entiende mucho de jazz, aprecio el apoyo y el cariño. Entonces, siempre es muy especial”, dice luego de tres años sin visitar el territorio nacional.
En esta ocasión, se presentará en el Teatro Nescafé de las Artes (Manuel Montt 032, Providencia) en formato cuarteto. “A mí me gusta la idea de tocar con una banda, la combinación y toda la historia que se crea cuando estamos tocando juntos. Para mí, esa conexión humana y lenguaje en el escenario es súper importante”. Así, Aldana compartirá las tablas con Glenn Zaleski, en el piano; Pablo Menares, en el bajo, y Kush Abadey, en la batería. Con ellos repasará tanto sus conocidas composiciones como sus nuevos sonidos inspirados en el filin, “más que todo el desarrollo que he hecho en estos tres años”, aclara.
Además de anticiparse como un encuentro emocional, su concierto ––con entradas que se encuentran entre los $25.000 y $45.000 y que se pueden comprar a través del sitio web de Ticketmaster–– es una invitación “a tener una experiencia de compartir con nosotros, de escuchar la música, aun así no la entiendan, de estar todos cercanos en una habitación y cambiar las energías, contar una historia juntos”.


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CALEB WHEELER CURTIS “HEATMAP” - Astoria, NY, July 20, 2021 - Trees for the forest, Splinters, Limestone, Trembling, Whisperchant, C(o)urses, Spheres - Caleb Wheeler Curtis (as,sop,comp) Orrin Evans (p) Eric Revis (b) Gerald Cleaver (d)
Caleb Wheeler Curtis es uno de los saxos alto más interesantes que han surgido desde el año 2000. Su interpretación tiene una calidad radiante y vocal, ya sea dirigiéndose a melodías fuertes o abstracciones de las mismas. Su enfoque es fuerte sin ser forzado, y aunque su espíritu musical tiene una voluntad abierta de exploración, su educación musical le da una sabiduría inherente. Como parte de la “aldea” de músicos centrados en el pianista Orrin Evans, ha aparecido en dos álbumes nominados al Grammy tocando con su Captain Black Big Band. Las relaciones que formó a partir de ese parentesco con Evans son evidentes en la compañía que mantiene para sus propias creaciones.
Curtis escribió la música para Heatmap, es una sesión de cuarteto que incluye a Evans en el piano, junto con el magistral Eric Revis en el bajo y el ecléctico Gerald Cleaver en la batería.
El sonido de Curtis mora en algún lugar entre Ornette Coleman y John Coltrane, sin embargo, en “Trees For the Forest” evita el enfoque al estilo Coleman con un ambiente más tranquilo.
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GENOVESE, ESPINOZA Y PUENTE “SIETE FLORES NEGRAS” - Santiago, enero 2018 - Paisaje (de la memoria), El Soldado, La búsqueda, Lucy - Leo Genovese, piano, Rodrigo Espinoza, contrabajo y Gabriel Puente, batería
El contrabajista Rodrigo Espinoza ha ocupado un papel importante de la escena del jazz contemporáneo y ha sido indispensable en una serie de proyectos que marcaron el ritmo del circuito jazzístico, tocando y grabando discos representativos de la última década. Con Siete Flores Negras, Espinoza comienza a crear su propia música, después de una estadía en Nueva York donde se acercó a la corriente musical, regresa a Santiago, monta un trío con los maestros Leo Genovese, piano y Gabriel Puentes, batería y crean Siete Flores Negras en 2018. El trio abre el concierto del 13 de enero del Festival Internacional de Jazz de Providencia en el Parque Inés de Suarez a las 21:00.


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THE SHERYL BAILEY 3 “A MEETING OF MINDS” - Paramus, NJ, January 14 & March 10, 2013
One for VJ, Unity, Cactus, An unexpected turn, A meeting of minds
Ron Oswanski (org) Sheryl Bailey (g) Ian Froman (d)
Sheryl Bailey posee una técnica increíble y un gusto impecable. Lo dice el crítico Lee Metcalf, sin embargo, la guitarrista respeta la melodía equilibrando su habilidades técnicas con un sólido sentido lírico y swing.
Toca guitarra desde los 13 años, inicialmente Sheryl aspiraba a ser estrella de rock, pero bajo la influencia de su madre pianista aprendió armonía, y su primer maestro en Pittsburgh, John Maione, la introdujo en la tradición de la guitarra a través de los legendarios Wes Montgomery, Jimmy Raney, George Van Eps, Joe Pass y otros. Eventualmente asistió al Berklee College of Music. Sus años de dedicación y enfoque le valieron el tercer lugar en la competencia internacional de guitarra de jazz Thelonius Monk en 1995, y en 2000 fue designada embajadora de jazz por el Departamento de Estado de EE. UU. para realizar una gira por América del Sur.
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ANAT COHEN “NOTES FROM THE VILLAGE” - New York, May 14 & 15, 2008
Siboney, J blues, Lullaby for the naive ones, Jitterbug waltz
Anat Cohen (cl,ts,sop,b-cl) Jason Lindner (p,el-p) Gilad Hekselman (g) Omer Avital (b) Daniel Freedman (d,perc) -
Sheryl Bailey ha invitado a Anat Cohen, unirse a su trio durante su presentación en el festival de Providencia. Cohen es clarinetista y saxofonista que ha sido nominada al Grammy. En el clarinete, usa el registro superior para evocar una alegría contagiosa. En el registro inferior, insinúa una melancolía profunda y conmovedora. En cuanto a los números más up-tempo, sus improvisaciones no solo son rápidas; sino que tienen una claridad e inteligencia profunda que es realmente poco común.
Anat ha sido declarada Clarinetista del Año por la Asociación de Periodistas de Jazz cada año desde 2007 y también ha sido nombrada la mejor clarinetista en las encuestas de lectores y críticos de la revista DownBeat durante varios años consecutivos. En 2009, ASCAP otorgó a Anat un premio del Hall of Fame, el Salón de la Fama por composición y musicalidad, entre otros honores.


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